Ballett und klassische Musik

Breves fragmentos de cartas que Chopin escribe desde Gran Bretaña (mediados de 1848)

2012-02-08T11:32:00.000-08:00

«Aquí la música es una profesión, no un arte. Tocan excentricidades y las presentan como obras de belleza total; interesarlos en cosas serias es una locura. La burguesía exige lo extraordinario y la mecánica. El gran mundo escucha demasiada música para «Aquí la música es una profesión, no un arte. Tocan excentricidades y las presentan como obras de belleza total; interesarlos en cosas serias es una locura. La burguesía exige lo extraordinario y la mecánica. El gran mundo escucha demasiada música para prestarle una atención seria. Lady X..., una de las más grandes damas de Londres, en cuyo castillo pasé unos días, es considerada una música. Una noche que yo había tocado, le llevaron una especie de acordeón, y se puso muy seriamente a ejecutar en él los aires más horribles. Todas estas criaturas están un poco chifladas. Las que conocen mis composiciones me dicen: tocadme vuestro segundo suspiro... me gustan mucho vuestras campanas... Lo único que se les ocurre decirme es que mi música fluye como el agua... Ayer la anciana Rothschild me preguntó cuanto cuesto. Como había pedido veinte guineas a la duquesa de Sutherland, le respondí: veinte guineas. La buena mujer me dijo entonces que, en efecto, toco muy bien, aunque me aconsejó que no pidiera tanto, porque en esta season hace falta más moderation...» una atención seria. Lady X..., una de las más grandes damas de Londres, en cuyo castillo pasé unos días, es considerada una música. Una noche que yo había tocado, le llevaron una especie de acordeón, y se puso muy seriamente a ejecutar en él los aires más horribles. Todas estas criaturas están un poco chifladas. Las que conocen mis composiciones me dicen: tocadme vuestro segundo suspiro... me gustan mucho vuestras campanas... Lo único que se les ocurre decirme es que mi música fluye como el agua... Ayer la anciana Rothschild me preguntó cuanto cuesto. Como había pedido veinte guineas

■«A pesar del clima, quieren retenerme en Londres. En cuanto a mí querría otra cosa, ¿pero qué?... Si ese Londres fuera menos negro... si la gente fuera menos pesada, si no existieran esa bruma ni ese polvo de carbón, me dedicaría a aprender el inglés. ¡Pero los ingleses son tan distintos de los franceses a los que me he apegado como a los míos propios...!»29
Desde Escocia a Marie de Rozières...

■«muchas personas me atormentan aquí para que toque, y acepto por cortesía. Pero siempre toco con una nueva pena, jurándome que no volverán a obligarme pues me encuentro entre el enervamiento y el abatimiento».30
¿Por qué ya no componéis?, le preguntaban sus anfitriones y amigos...

■«En verdad -escribía él a Franchomme- no tengo en la cabeza una sola idea musical; ya no estoy para nada en mi elemento. Me siento como un asno en un baile de mascaras, o como una cuerda de violín en un bajo de viola... Estoy aturdido, no me siento a gusto...».30
■«Veo montañas y lagos, y un parque encantador; en una palabra un espectáculo de los más renombrados en Escocia. Sin embargo solo veo algo de eso cuando a la bruma le place ceder unos minutos ante un sol no muy combativo. Y todas las semanas me arrastro a otro lugar. ¿Qué decir del aburrimiento mortal de las veladas, a lo largo de las cuales jadeo esforzándome por mantener un buen semblante, por fingir algún interés por las tonterías que se intercambian de poltrona a poltrona? Por todas partes excelentes pianos, hermosos cuadros, bibliotecas selectas, canapés, perros, cenas de nunca acabar, diluvio de duques, condes, barones. ¿Es posible aburrirse tanto como yo me aburro?».31
Finalmente desde Londres escribe a su amigo Grzimala:

■«Tengo los nervios agotados y no puedo terminar esta carta. Padezco de una nostalgia estúpida; a despecho de mi resignación, no sé que hacer con mi persona y eso me atormenta... Ya no puedo estar triste o feliz; ya no siento realmente nada, vegeto, sencillamente, y espero con paciencia mi fin... ¡Ah, si pudiera saber que la enfermedad no me acabará aquí el próximo invierno!».
a la duquesa de Sutherland, le respondí: veinte guineas. La buena mujer me dijo entonces que, en efecto, toco muy bien, aunque me aconsejó que no pidiera tanto, porque en esta season hace falta más moderation...»

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Chopin, Frédéric Chopin

2012-02-06T06:08:00.000-08:00

Música de Cine desde Dublín

2012-02-06T06:00:00.000-08:00

La Orquesta Sinfónica Nacional de la RTE interpreta algunas de las bandas sonoras más célebres.

David Arnold dirige este concierto con obras de John Williams, Jarre o Vangelis, entre otros.

Dentro de la serie Música de Cine, de la temporada de conciertos de Euroradio, Radio Clásica conectará este lunes a las 20.00 horas, con la Sala Nacional de Conciertos de Dublín para transmitir el concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional de la Radiotelevisión Irlandesa (RTE), bajo la dirección de David Arnold. En programa, podremos escuchar una variada selección de algunas de las bandas sonoras más célebres de películas de todos los tiempos como: Cabaret, Memorias de África, Mary Poppins, Carros de fuego o Tal como éramos.

Orquesta Sinfónica Nacional de la RTE

Sus orígenes, hay que buscarlos en 1926, cuando nació la primera radio del país y se contrató a un grupo de músicos que, en ocasiones, trabajaba en los programas de radio y, otras veces, actuaban como grupo de cámara. Tras la II Guerra Mundial, muchos músicos europeos de los países destrozados por la contienda, se marcharon a Irlanda y la orquesta aumentó su plantilla hasta convertirse en una formación sinfónica. Desde 1961, con la entrada de la televisión, la Orquesta recibe su nombre actual y desde la pasada temporada, Alan Burybayev es su director titular.

El corazón de Chopin

2012-02-06T05:52:00.000-08:00

Palacio Radziwill: palacio con cuatro leones de piedra custodiando sus puertas y que es conocido como la “Casa Blanca” polaca. En sus salas se firmaron los tratados de Varsovia. -Universidad de Varsovia: actual sede de la Academia de Bellas Artes. En uno de sus extremos se verá el Palacio Kazimierz.Iglesia de la Santa Cruz: donde se conserva el corazón de Chopin, traído desde París, donde está enterrado. Se encuentra en el segundo pilar de la izquierda.

-Palacio Staszic
-Monumento a Copérnico.

Diez años del Museo de la Música de Viena

2012-02-04T09:55:00.000-08:00

Federico Chopin está en la web

2012-02-04T06:53:00.000-08:00

Dos casas de grabaciones y You Tube han puesto en línea obras del artista Federico Chopin

MADRID, ESPAÑA (10/MAY/2010).- Eruditos y neófitos de la obra del compositor Federico Chopin (Polonia 1810-París, 1849) pueden acceder ya de manera gratuita a decenas de obras del afamado artista, que con motivo del bicentenario de su nacimiento han sido puestas en línea por dos casas de grabaciones y la empresa You Tube. Conocer las creaciones de este genio del romanticismo, valorar su legado y, desde luego, promover las grabaciones existentes y en poder de Decca y Deutsche Grammophon, son los objetivos principales de esta iniciativa. Lo interesante de la página, también está en un concurso de videos en You Tube, cuya convocatoria cerrará en agosto próximo.
La invitación es para pianistas aficionados de todo el mundo a participar en el aniversario de este emblemático músico, a través de un video de ellos mismos tocando repertorio de Chopin.
Según esta convocatoria, en septiembre será elegido el ganador, cuyo premio será un viaje a Alemania para dos personas, para asistir a un concierto y un encuentro con la pianista alemana Alice Sara Ott. Disponible en español, el sitio electrónico permite al internauta explorar y escuchar el repertorio de Chopin, grabado por varuos artistas a lo largo de los años, de manera gratuita y con la más alta calidad; además de crear listas de reproducción para conservarlas o compartirlas.

Nutcracker tchaikovsky; un mundo mágico

2012-02-03T12:03:00.000-08:00

La historia tiene lugar en Alemania, aproximadamente en 1850, en la casa del respetable juez Stahlbaum. El matrimonio Stahlbaum está terminando de adornar el árbol de Navidad. Sus hijos Clara y Fritz se despiertan para recibir a los parientes, tíos, abuelos y primos que llegarán a la celebración que ha preparado la familia. La alegría inunda la casa donde los niños y los adultos se saludan y miran los regalos que esperan para ser abiertos. De pronto, y mientras los niños están abriendo los regalos, aparece el viejo Drosselmayer - mago y padrino de Clara - con su sobrino, del cual se "enamora" la pequeña Clara. Drosselmayer le trae a la pequeña Clara tres grandes cajas envueltas en papel de regalo, que al abrirlas resultan ser un Arlequín, una Colombina y un gran Cascanueces: un soldado de madera que sirve para romper, justamente, las nueces. Ella está feliz, pero su hermano Fritz, celoso por los regalos, le rompe una parte al Cascanueces. El sobrino de Drosselmayer coloca al Cascanueces en una cama de juguete y lo venda. Todos se despiden... ya es tarde. En medio de la noche, Clara va a ver a su Cascanueces. Y mientras lo está acurrucando ¡todo cambia!, las murallas, los juguetes, y los soldados ¡crecen!, y entra “el rey de los ratones”, que seguido de enormes animales de su misma especie enfrenta a los soldados.
El Cascanueces se levanta de la cama y dirige la batalla, apuntando con los grandes cañones que arrojan balas de dulce. Se queda con la victoria. Al final de la batalla, Drosselmeyer conduce a Clara y al Cascanueces al reino de las nieves: un mundo mágico donde todo es ilusión... Clara vivirá un sinnúmero de aventuras, pero al final del paseo, cuando el mundo mágico desparece se hará una pregunta: ¿fue verdad o sólo un sueño?

Academia de la música de Fryderyk Chopin; Akademia Muzyczna im. Fryderyka Chopina

2012-02-02T10:51:00.000-08:00

Academia de la música de Fryderyk Chopin (Akademia Muzyczna im. Fryderyka Chopina W Warszawie) se localiza en ulica Okólnik 2 en Varsovia central, Polonia. Es la escuela más vieja y más grande de la música de Polonia, y uno del más grande de Europa. Nombrado para el gran compositor polaco Fryderyk Chopin (quién estudió allí a partir la 1826 a 1829, la academia fecha su historia de la escuela de la música para los cantantes y los agentes del teatro que habían sido fundados en 1810 cerca Wojciech Bogusławski. En 1820 fue transformado por el profesor subsecuente de Chopin, Józef Elsner, en una escuela más general de la música, el instituto de la música y Declamation; era entonces afiliado con Universidad de Varsovia y, junto con la universidad, fue disuelto cerca Imperial ruso autoridades durante los repressions que siguieron Sublevación del noviembre de 1830. En 1861 fue restablecido como instituto de Varsovia de la música.Después de que Polonia recuperara independencia en 1918, el estado polaco asumió el control y se conocía al instituto como Invernadero de Varsovia. El viejo edificio principal de las instituciones fue destruido durante Segunda Guerra Mundial, en Sublevación de Varsovia. Después de la guerra, en 1946, la escuela fue reconstruida como la escuela pública más alta de la música. En 1979 la escuela asumida su actual nombre, la academia de la música de Fryderyk Chopin.

Edificios :El edificio principal, en ulica Okólnik 2 en Varsovia central, fue construido entre 1960 y 1966. Contiene 62 salas de clase insonoras; un salón de conciertos (486 asientos), el teatro de la conferencia de Szymanowski (adaptado para la proyección de la película; 155 asientos), teatro de variedades (196 asientos y un órgano) compartimiento de Melcer, la ópera Pasillo (53 asientos) de Moniuszko, un cuarto del rhythmics, tres estudios de la música-grabación y de la banda de sonido, estudio de un sintonizador, una biblioteca y sitio de la lectura, oficinas del rector, oficinas de los decanos, oficinas de la gerencia, cuartos de la huésped, GAMA club del estudiante, una cafetería, y clínicas del doctor y del dentista. Hay también una tienda del libro de música y tienda anticuaria del libro. La academia también tiene sus el propios dormitorio, Dziekanka, en 58/60 Krakowskie Przedmiescie. El último tiene su propio salón de conciertos de 150 asientos.

Estructura
Dividen a la academia en 6 departamentos:
Departamento I: Composición, el conducir y teoría de la música
Departamento II: Piano, clavicordio y órganos
Departamento III: Estudios instrumentales
Departamento IV: Estudios vocales
Departamento V: Educación musical
Departamento VI: El dirigir sano/ingeniería

Directores y rectores:
Wojciech Bogusławski (1810-1814)
Józef Elsner (1816-1830)
Henryk Melcer-Szczawiński (1922-1927)
Karol Szymanowski (1927-1929, 1930-1931)
Stanisław Kazuro (1945-1951)
Tadeusz Maklakiewicz (1975-1978)
Ryszard Zimak (1999-2005)
Stanisław Moryto (2005-present)

Doctores causa de los honoris:
Igor Bełza
Nadia Boulanger
Placido Domingo
Enero Ekier
Joachim Grubich
Andrzej Jasiński
Witold Lutosławski
Andrzej Panufnik
Krzysztof Penderecki
Jean-Pierre Rampal
Mstislav Rostropovitsj
Artur Rubinstein
Witold Rudziński
Jerzy Semkow
Kazimierz Sikorski
Stefan Śledziński
Regina Smendzianka
Stefan Sutkowski
Tadeusz Wroński

Profesores notables:
Tadeusz Baird
Walerian Bierdiajew
Wiktor Brégy
Henryk Czyż
Zbignierw Drzewiecki
Irena Dubiska
Hieronim Feicht
Antoni Karużas
Ludwik Kurkiewicz
Wincenty Laski
Aleksander Michałowski
Stanisław Moniuszko
Arnold Rezler
Witold Rudziński
Sari del Ada
Mieczysław Szaleski
Antoni Szaliński
Tadeusz Szeligowski
Karol Szymanowski
Margerita Trombini-Kazuro
Józef Turczyński
Maria Wiłkomirska
Kazimierz Wiłkomirski
Stanisław Wisłocki
Tadeusz Wroński
Władysław Żeleński

Estudiantes notables:

Grażyna Bacewicz
Józef Chwedczuk
Mikalojus Konstantinas Čiurlionis
Kazimierz Czekotowski
Grzegorz Fitelberg
Benedykt Górecki
Józef Jarzębski
Mieczysław Karłowicz
Stefan Kisielewski
Paweł Klecki
Michał Kondracki
Wanda Landowska
Jerzy Lefeld
Witold Lutosławski
Enero Maklakiewicz
Artur Malawski
Zygmunt Noskowski
Ignacy enero Paderewski
Andrzej Panufnik
Piotr Perkowski
Feliks Rączkowski
Ludomir Różycki
Bronisław Rutkowski
Bronisław Szabelski
Antoni Szałowski
Stanisław Szpinalski
Stefan Śledziński
Alexandre Tansman
Zbigniew Turski
Eugenia Umińska
Janusz Urbański
Roberto Valera
Mieczysław Weinberg
Kazimierz Wiłkomirski
Daniel Wnukowski
Bohdan Wodiczko

Competiciones
La academia organiza las competiciones siguientes de la música:
la competición a solas internacional del violín de Tadeusz Wronski (Międzynarodowy Konkurs T. Na Skrzypce de Wrońskiego a solas)
una competición internacional del órgano (Międzynarodowy Konkurs Organowy)
la competición del clavicordio de Wanda Landowska (Międzynarodowy Konkurs Klawesynowy im. W. Landowskiej)
la competición internacional del violoncelo de Witold Lutoslawski (Międzynarodowy Konkurs Wiolonczelowy im. W. Lutosławskiego)

Orquestas:
La academia tiene dos orquestas - orquesta de la sinfonía, y la orquesta de la academia de Chopin - y un coro.

Notas:
Puesto que en aquel momento el invernadero de Varsovia era afiliado con Universidad de Varsovia'el departamento de arte de s, Chopin también se cuenta entre Alumnos de la universidad.

Referencias en línea:
Academia de Fryderyk Chopin de música en el centro de información internacional de Chopin
a b c (Pulimento) Akademia Muzyczna W Warszawie, Encyklopedia WIEM

General:
(Pulimento) AKADEMIA MUZYCZNA W WARSZAWIE en culture.pl
(Pulimento) Akademia Muzyczna W Warszawie, Encyklopedia WIEM

Música Clásica-Guias visuales España

2012-01-31T10:39:00.000-08:00

Guía ilustrada que incluye toda la información que necesita un aficionado a la música clásica.En ella se incluyen todos los datos para conocer la vida y las obras de los grandes compositores de todos los tiempos. Además, ofrece una panorámica de los principales directores de orquesta, los instrumentos y los conceptos musicales básicos.La música clásica es una afición muy extendida. La obra está dirigida al lector no especialista que necesita una guía que le ayude a disfrutar en profundidad de una de las manifestaciones artísticas más delicadas y sensoriales.

Mozart, niño prodigio

2012-01-28T11:54:00.000-08:00

Mozart, niño prodigio de la música
Por Donald Culrooss Peattie
Publicado originalmente en abril de 1947
¡Definitivamente el último concierto!... El niño, que aún no tiene años, tocará el clavicordio, ejecutará un concierto para violín y acompañará sinfonías con el teclado cubierto por un lienzo, tan fácilmente como si estuviese viendo las teclas. Dirá cuáles son las notas que se toquen a distancia, tantos aisladas como en conjunto, e improvisará en el clavicordio y el órgano todo el tiempo que se desee.
El año de 1763 un periódico alemán publicaba este aviso anunciando, como fenómenos fe feria, al músico de genio más universal que ha conocido el mundo, Juan Crisóstomo Wolfango Amadeo Mozart. Entre el público de aquel concierto estaba otro muchacho, de catorce años, destinado también a la inmortalidad: Goethe. Años después, el poeta se complacía en evocar la brillante escena en que el niño músico de faz sonriente, peluca empolvada, exquisito traje de raso lila y minúsculo espadín, corría a sentarse en el banco del clavicordio y le arrancaba notas maravillosas en la que ponía su corazón. Nacido con absoluto dominio del tono, del ritmo y de la armonía, Mozart había venido al mundo con un don maravilloso y único. Sólo así se explica que a los cuatro años empezara su aprendizaje de clavicordio (precursor del piano moderno), y que a los cinco, usando un violín casi de juguete que le había regalado su padre, acompañara con toda perfección a éste y a un amigo suyo en seis tríos cuya música no había visto antes. El niño leía y escribía nota antes de conocer bien el abecedario. Las composiciones que escribió a los seis años se reconocen desde los primeros compases como música inconfundible suya, que no podría ser de ningún otro compositor. Llenas de frescura y gracia, de discreción, de firmeza y de elegancia, esas composiciones son la obra de un estilista sin paralelo y de un alma excepcional. Sus dedos y su cerebro estaban dotados de modo igualmente maravilloso. A los diez años dejó atónitos a los holandeses, tocando insuperablemente el órgano más grande y más complicado del mundo. A los catorce fue llevado al Vaticano para que oyese cantar un Miserere largo y difícil, que se guardaba con tanto secreto que a los cantores estaba prohibido copiar la música bajo pena de excomunión. El muchacho absorbió ávidamente nota tras nota del Miserere y, al volver a casa, escribió de memoria la obra entera. Cuando la escuchó por segunda vez se disgustó al descubrir que le habían deslizado tres errores. En vez de excomulgarlo, el Papa lo nombró caballero de la Espuela de Oro. El padre de este prodigio era Leopoldo Mozart, violinista de segunda categoría, maestro de primera clase y vecino de la ciudad de Salzburgo, en Austria. La reverencia que le inspiró siempre el genio de su hijo no le impidió explotarlo. En compañía de la hermana de esté, que era también pianista de talento, paseó al muchacho por toda Europa. Los niños tocaron ante los soberanos de Francia e Inglaterra, y ante la familia imperial de Austria. En esta última ocasión, el muchacho resbaló al atravesar una galería del palacio, se hizo un gran chinchón, y fue consolado por una niña que le ayudó a incorporarse. Para mostrar su gratitud, Mozart ofreció a la chiquilla casarse con ella cuando ambos crecieran. Pero la vida tenía reservado otro destino a María Antonieta.
Ni las duras diligencias, ni los caminos fangosos, ni las míseras posadas, ni las largas y duras horas de viaje lograban agotar la alegría o abatir el humor del muchacho. Era frecuente que el público de sus conciertos, encantado por aquel prodigio, se negase a abandonar los asientos y que el complaciente chiquillo siguiese tocando como en primeras notas de la última sobra las postreras de la anterior, como gotas de una fuente que caen sobre un macizo de flores. Aquella especie de orgía musical continuaba hasta que papá Mozart intervenía para ponerle fin. Entonces caballeros y damas elegantes abrumaban al niño con caricias y aplausos que nunca fueron bastantes a alterar su natural modestia. El producto financiero de aquellas correrías era, sin embargo, invariablemente inferior a los gastos. Los aristocráticos oyentes solían pagar con cajas de rapé, hebillas de zapatos y otras chucherías parecidas. Papá Mozart las recibía haciendo reverencia, y se llevaba a los chiquillos a otro sitio donde pudieran tocar la cena. Papá Leonoldo fue el único maestro de su hijo. Mozart no asistió a ninguna escuela, pero cultivó con gusto todas las ramas del saber. Sentía predilección especial por la aritmética y hacía sumas con tiza en mesas y paredes, fascinado por una ciencia que daba respuestas concretas y exactas. Esta afición es la clave de la justeza, perfección y exactitud de sus composiciones. Pero Mozart era, además de insuperable técnico, espíritu alegre, tierno y amoroso. Por eso es su música tan emocionante como fácil de escuchar.
En los tiempos de Mozart hubo gentes que tacharon algunas obras suyas de “demasiado modernas, demasiado avanzadas”. Hoy, cuando escuchamos por primera vez una pieza de Mozart, nos parece haberla conocido y haber gustado de ella toda la vida. Esta impresión se debe a la profunda influencia que ejerció en la música posterior a él. Beethoven lo estudiaba constantemente, y Haydn rindió a su joven amigo el tributo sincero de la imitación. Chopin estaba profundamente penetrado del espíritu de Mozart y dijo al morir aquello de “tocad a Mozart en memoria mía”. Hasta el orgulloso Wagner se inclinó ante él. En la gozosa gracia que tienen muchos valses de Strauss, y en no pocas de las grandes canciones de Schubert puede percibirse la inspiradora influencia de Mozart.
Le brotaban melodías de los dedos. Solía sentarse en una mecedora y tamborear con los dedos en la rodilla, radiante el rostro del placer creador, hasta que completaba mentalmente en tema y lo garrapateaba en un pedazo de papel. A los catorce años se estrenó en Milán la ópera que acababa de escribir; tomó parte en ella la orquesta más grande de Europa, que Mozart se encargó de dirigir personalmente. A los quince años era ya autor de catorce sinfonías y seis óperas cortas.
Entre los quince y los veintiún años invadió los dominios de la composición musical que presenta las máximas dificultades técnicas. El solo hecho de intentarlo invitaba a la comparación con los maestros de otros tiempos, pero Mozart demostró ser el maestro de todos ellos. Su genio era como una nueva estrella que proyectase sobre la tierra luz más esplendorosa cada año. Obrando con estricta justicia, el emperador de Austria, José II, debiera haberle dado el puesto más distinguido entro los músicos de su corte. Pero no fue así. Influído por la mezquindad de los artistas mercenarios de su séquito, que envidiaban el genio de Mozart, el emperador lo hizo objeto de desdenes y desaires. Músicos rivales impedían que se tocaran las obras de Mozart y más de una vez sobornaron a los ejecutantes para que las estropeasen. No existían entonces de prioridad artística que protegieran los intereses del compositor; una vez conocida, toda pieza musical podía tocarse gratuitamente y hasta ser apropiada por otro autor.La única manera que tenía un compositor de asegurarse la vida era entrar al servicio de una corte o de un personaje acaudalado. Mozart consiguió uno de esos empleos, cuyo sueldo anual equivalía a unos setenta y siete dólares. Su patrono, el arzobispo de Salzburgo, lo hacía comer con los criados y lo trataba despóticamente, creyendo que ése era el mejor medio de mantenerlo en la debida humildad. Mozart dejó el cargo y se estableció en Viena como artista independiente.
Al morir el célebre músico Christoph von Gluck, le dieron a Mozart el cargo de “compositor de cámara” que aquél desempeñaba en la corte, pero solamente le asignaron algo más de la mitad de su pensión. Sin embargo, Mozart agradeció las migajas con humilde alegría, porque se había casado impulsivamente, siendo todavía muy joven, y los hijos empezaron a llegar en seguida. Su esposa se llamaba constancia Weber y era una de las cuatro lindísimas hijas de una familia en que todos eran músicos. Mozart conoció a Constancia cuando ella era joven todavía una risueña chiquilla de trece años y él le hacía la corte a su hermana mayor, Aloysia, que tenía quince años, bellísimo cuerpo y hermosa voz. Aloysa prometió esperar a Mozart, que había ido a París en busca de fortuna. Pero cuando el mozo volvió con las manos vacías, Aloysa había triunfado ya en la ópera. Interrogada años más tarde sobre los motivos que le hicieron desdeñar a Mozart, contestó:”Me pareció que era un hombrecito insignificante”. Constancia se encargó de reanimar el desolado corazón del joven y no tardaron en casarse, desafiando la implacable furia de papá Mozart. Constancia era una rubita, festiva y risueña, que resultaba la compañera ideal para ir de merienda a los bosques de Viena, pero carecía de toda habilidad casera. Mozart vio cómo la pobreza y la maternidad fueron desvaneciendo la alegría de su mujer, y gastó extravagantemente el dinero en pequeños lujos para resucitar la sonrisa infantil que adoraba. Por si esto fuera poco, Constancia no tenía buena salud y sus alumbramientos la ponían al borde de la tumba; cinco de los siete hijos del joven matrimonio murieron en la niñez. Las contrariedades que sufrió Mozart hubieran hecho escribir composiciones de amargo sabor a cualquier otro músico. Pero Mozart nunca llevó el pentagrama los dolores, tristezas y humillaciones de su vida. Cuando peor era ésta, mayores tesoros de valor vertía en su arte; pero ese valor nunca fue desesperado, sino gozoso como el canto de un pájaro. Para poderle pagar al carnicero y alejar de su puerta a los acreedores que, asistidos por la justicia, se llevaban con frecuencia piezas del mobiliario, Mozart daba concierto tras concierto, componiendo una obra nueva para cada uno, y muchas de sus mejores composiciones fueron fruto de breves días de trabajo. Más de una vez, Mozart se vio imposibilitado de practicar a causa del frío húmedo de los inviernos vieneses. En cierta ocasión, un amigo suyo llegó a la casa y encontró al matrimonio bailando furiosamente. La anécdota se ha venido contando como si fuese travesura de bohemios que desafiasen las inclemencias del tiempo valsando alegremente; pero lo cierto es que Constancia y Mozart habían recurrido al baile para que el frío no acábese de paralizarlos. El amigo se apresuró a traerles carbón. El amigo de Mozart a quien más debe el mundo fue un negociante llamado Puchberg, que repetidamente dio pequeñas cantidades al enloquecido músico cuando se encontraba con el agua al cuello. La lectura de las cartas en que Mozart implora ayuda de su amigo suscita la indignación más viva al evocar la imagen de aquel maravilloso genio reducido a la condición de pordiosero. En Praga tuvo fin Mozart la satisfacción de verse comprendido y adorado en vida. Cuando, previamente invitado, acudió a aquella ciudad para dirigir la representación de su ópera cómica Las bodas de Fígaro, que había sido fríamente acogida en Viena, oyó que todo el mundo silbaba trozos de Fígaro en las calles. Durante aquella estancia escribió la magnífica sinfonía de Praga, y no tardó en volver para escribir una ópera dedicada especialmente a aquella ciudad amante de la música. La temporada que pasaron en las montañas de dulce capital de Bohemia fue una de las más dichosas de la vida de Mozart y Constancia. Compuso entonces su Don Juan, que ha sido llamada con frecuencia “la ópera perfecta”. Da Ponte, el poeta autor del libreto, era un alegre bohemio que vivía en la misma estrecha calle en que habitaba el matrimonio de Mozart, y justamente en la casa fronteriza a la suya. De vez en cuando el músico llamaba a gritos al poeta, o el poeta al músico, para que acudieses a oír nuevas escenas. En otras ocasiones, el embelesado vecindario veía a sus dos autores favoritos recorrer la calle cantando alegremente, camino de la taberna adonde iban a compartir una botella de vino. Los admiradores obsequiaban al matrimonio Mozart en todas partes y con tanta frecuencia que al músico la faltaba tiempo para su trabajo. La víspera del estreno, la obertura estaba todavía por escribir. Ya se habían encendido las luces del teatro cuando pusieron a toda prisa los papeles en los atriles de la orquesta. Los músicos tuvieron que tocar a primera vista.
Musicalmente hablando, nunca se habían tenido tan deliciosos efectos cómicos. Pero Don Juan tiene también su parte de tragedia, y prueba que Mozart era un compositor de poder ilimitado y agudo instinto dramático. Los aplausos y las repeticiones convirtieron las tres horas de ópera en seis. El producto de las entradas salvó de la quiebra al dueño del teatro, pero el compositor sólo recibió una reducida –muy reducida- cantidad. A medida que el breve curso de estrella que fue la vida de Mozart se acercaba a las tiniebla perpetuas, parecía correr más velozmente y brillar más deslumbradora. Sus nueve últimas sinfonías, algunas de las cuales no llegaron a tocarse en vida del autor, merecen equiparse a las nueve de Beethoven. He oído con frecuencia desdeñar a Mozart por superficial a gentes que sólo conocen los minuetos y las sonatinas suyas que se enseñan a los niños; pero la verdad es que no puede conocerse a fondo su obra sin descubrir cuánta es su profundidad.
A los treinta y cinco años compuso, a pesar de encontrarse muy enfermo en Viena, la famosa ópera de hadas, La flauta mágica, que está llena de maravillosas melodías. Cierto empresario tronado la estrenó en un teatro casi ruinoso. Corrió la voz, y Viena toda acudió a oír la ópera. El empresario ganó tanto dinero que construyó otro teatro. Pero Mozart cayó víctima de una fiebre tifoidea y no pudo asistir a las representaciones; desde su lecho decía, mirando al reloj: “Ahora se levanta el telón”. “Ahora pasan sin quemarse a través de las llamas, al conjuro de la flauta mágica”. Pocos meses antes, Mozart había recibido la visita de un desconocido que, en nombre de su señor, le encargó una Misa de Réquiem para voces de hombre y mujer. La Misa estaba destinada a honrar la memoria de la difunta esposa del seño, cuyo nombre no quiso revelar el desconocido. Hoy es cosa sabida que se trataba del Conde de Walsegg, personaje aficionado a encargar en secreto obras musicales que luego hacía ejecutar como propias. Muchas interrupciones impideron que Mozart entregase la obra. El desconocido mensajero se presentaba a intervalos para apremiar al compositor. Mozart empezó a tener delirios, e imaginó que el emisario venía del otro mundo y que aquel Réquiem estaba destinado a su propio funeral. Bajo el dominio de la fiebre se esforzó valerosamente por terminarlo. Con fuerza aterradora del Réquiem expresa los hondos gemidos de la aflicción y el tembloroso arrepentimiento, las ansias de inmortalidad que tiene el hombre y, al final, la voz clara y serena de la fe. En su lecho de muerte, rodeado de algunos amigos íntimos, Mozart dictó con labios trémulos las notas de la trompeta del Juicio Final que suenan en el Réquiem. Unos pocos amigos acudieron, desdeñando la tormenta que se avecinaba, a oír la breve misa que se rezó ante el féretro de Mozart. Cuando salieron para el cementerio, los relámpagos iluminaron el cielo, la lluvia cayó a torrentes y el viento se desató feroz. Acoquinados por la furia de los elementos, los amigos se devolvieron y el carro fúnebre siguió su camino. En una fosa cavada junto a las de vagabundos y mesalinas quedó la frágil forma que había albergado uno de los talentos musicales más grandes que han existido. Mozart triunfó de la injusticia, la enfermedad, las deudas y la misma muerte. En vez de dejarse vencer por las cosas innobles y espantosas del mundo, entonó un cántico en que vibra el gozo de vivir.
Soñar no cuesta nada... Es como olvidar viejos recuerdos, es como hacer que nada de esto sucedió y es como volver a empezar de nuevo… Como si fuera fácil. Desde que inicie este nuevo año e tenido una idea que ha ido dando vueltas por mi cabeza, no tengo una razón certera del porque pero cada día toma mas fuerza es entonces en esos momentos donde me pongo a pensar (meditar) y luego digo: “Deja las cosas así, no hagas nada”. Puedes creer, pensar, soñar, querer, sentir, imaginar, dudar, enamorarte e ilusionarte pero nada cambiara la realidad cuando esa persona que creías que te quería ya te olvido y te remplazo por alguien mucho mejor. Me cuestiono el por qué volviste aparecer con fuerza en estos últimos días.Y hoy te extraño... Te pienso en mis tristezas, porque son en esos días donde dueles más. Porque quisiera tener a alguien con quien compartir mis penas y mis alegrías. Podías entenderme como ninguna otra persona lo ha hecho hasta el día de hoy, había días donde me motivabas a seguir mejorando y yo lo hacía gustosamente porque quería demostrarte que si lo quería hacer y que ese conjunto de palabras “no puedo” no existía en mi vocabulario. A veces... Hay un pequeño dolor corriendo en mi interior, me hace suspirar, me hace dudar y me hace pensar en ti otra vez. Ni yo mismo me entiendo porque cuando te pienso, siento que te quiero. A veces te busco tontamente en mis sueños. Que iluso. Como si pudiera encontrarte ahí. A veces me olvido que te fuiste y que ya no volverás. A veces las noches de soledad me recuerdan las tantas veces que me acompañaste y que ya no estarás nunca más aquí. Sí algún día Sí algún día regresas a mi vida, te diré que te extrañe y mucho. Y sí algún día nuestras vidas se unen otra vez, te diré que me arrepentí mucho en esos días de no tenerte a mi lado. Pero si algún día me vez, te diré que he aprendido a vivir sin ti. También te diré que las ganas de cambiar no solo se han quedado en ganas, si no que he cambiado. Si algún día preguntas por mí, no dudes en llamar, estaría feliz de escuchar tu voz y recordarte un poco."La cita a ciegas" Sábado por la tarde diez minutos antes de las cinco. Me encontraba parado frente a la puerta de la catedral esperando que mi cita a ciegas llegase.

Jan Lisiecki - F. Chopin - Waltz Op. 64 No. 2

2012-01-27T11:20:00.000-08:00

Vals en Do sostenido menor es la segunda obra de Chopin 's opus 64 y el compañero del Vals Minuto (Op. 64, No. 1), dedicó este vals a la señora Nathaniel de Rothschild. Es un vals de Frederic Chopin. Este vals combina la técnica con una melodía muy hermosa. La estructura de esta obra es A B C B A B, consta de tres partes muy diferenciadas con melodías diferentes que se alternan durante la obra. Chopin pertenece al romanticismo, en la música este movimiento se caracterizaba por unas melodías que invitaban al anhelo y a la reflexión. La música pianística se caracteriza por tener mucha libertad en cuanto a la interpretación, permitiendo adornos, cambios de tempo y rubatos durante toda la obra. Esto se traduce en obras muy dinámicas que aceleran y deceleran el tempo a gusto del interprete.

Tres Valses Op. 64, para piano (1846-47)
N.º 1 en Re bemol mayor, Molto vivace
N.º 2 en Do sostenido menor, Tempo giusto
N.º 3 en La bemol mayor, Moderato

JANINE JANSEN - Zomer 1945 (soundtrack Süskind)

2012-01-22T01:23:00.000-08:00

Julian Rachlin & Friends 2011, Dubrovnik

2012-01-21T11:45:00.000-08:00

Julian Rachlin (nacido el 8 de diciembre de 1974) es un lituano. Julian Rachlin, el solista más joven que ha tocado con la Orquesta Filarmónica de Viena, toca el violín y la viola en el Teatro Olimpico de Roma. Nacido en Vilnius , emigró en 1978 con sus padres músicos en Austria. En 1983, entró en el Conservatorio de Viena y estudió violín en la tradición soviética con Boris Kuschnir, mientras que también recibio clases particulares de Pinchas Zukerman. Su carrera como niño prodigio comenzó con su primer concierto público en 1984. En 1988, se llevó el título de Eurovisión Joven Músico del Año, que le llevó a ser invitado a participar en el Festival de Berlín con el conductor Lorin Maazel y su cada vez más joven solista en jugar con la Filarmónica de Viena , bajo la dirección de Riccardo Muti .

Beethoven: Sinfonie n. 9, Allegro ma non troppo

2012-01-20T10:52:00.000-08:00

La Sinfonía n.º 9 Op. 125 en re menor es la última sinfonía completa del compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más trascendentales, importantes y popular en toda la música clásica, y también de toda la música y del arte. Su último movimiento es un final coral sorprendentemente inusual en su época que se ha convertido en símbolo de la libertad. Precisamente, una adaptación de la sinfonía, realizada por Herbert von Karajan es, desde 1972, el himno de la Unión Europea (UE). También destaca por ser la única composición musical de la historia declarada patrimonio de la humanidad por la Unesco. En 1817 la sociedad filarmónica de Londres encargó la composición de la sinfonía. Beethoven comenzó a componerla en 1818 y finalizó su composición a principios de 1824. Sin embargo, tanto la parte coral como las notas de la sinfonía disponen de fuentes para datarlas en un momento temprano en la carrera de Beethoven. El poema de Friedrich Schiller An die Freude (noviembre 1785), traducido como A la Alegría, y conocido como Oda a la alegría que Schiller publicó en 1786 en la primera versión y 1808 postumo en la versión definitiva (classica), provocó en Beethoven la intención de musicalizarlo ya desde 1793 cuando tenía 22 años. La introducción a la parte vocal de la sinfonía provocó varios problemas a Beethoven. Sobre esto el amigo de y biógrafo de Beethoven Anton Schindler escribió: Cuando empezó a componer el cuarto movimiento la lucha comenzó como nunca antes. El objetivo fue encontrar un modo correcto de introducir la oda de Schiller. Un día Beethoven entró a un cuarto y gritó:'¡Lo tengo, ya lo tengo!', entonces me mostró el cuadernillo con las palabras Déjenos cantar la oda del inmortal Schiller .Sin embargo, Beethoven nunca mantuvo esta versión, siguió reescribiendo hasta llegar a la forma final, con las palabras: "O Freunde, nicht diese Töne". El movimiento cultural Sturm und Drang (tempestad y emoción), en las décadas finales de siglo supone la disolución de las formas cortesanas acentuando la libertad y el sentimiento y rechazando el racionalismo riguroso, anticipa lo que será el romanticismo. Beethoven encarna el tránsito del estilo clásico al estilo romántico rompiendo el esquema cerrado de las formas musicales para adaptarlas a esta incipiente libertad individual. Es uno de los primeros músicos que viven de lo que venden componiendo, algo que comenzó a hacer Mozart, creando un precedente en el oficio de compositor, despegándose del mecenazgo al que están sometidos otros músicos como Haydn. Estreno Beethoven estaba ansioso por estrenar su trabajo en Berlin tan pronto como fuera posible luego de terminarlo, dado que pensó que el gusto musical en Viena estaba dominado por compositores italianos como Rossini. Cuando sus amigos y financistas oyeron eso, le motivaron a estrenar la sinfonía en la misma Viena. Teatro de la Corte Imperia(Kärntnertortheater), Viena. El estreno de la novena sinfonía fue diez años después de la Octava, el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater de Viena, junto con la obertura de Die Weihe des Hauses y las tres primeras partes de la Missa Solemnis. Esta fue la primera aparición en escena de Beethoven después de doce años; la sala estuvo llena. Nadie quiso perderse el estreno de la sinfonía y de la que se presumía sería la última aparición pública del genio alemán, y efectivamente así fue: en los tres años siguientes, se recluyó en casa aquejado de diversas enfermedades que lo postraron hasta su muerte. Las partes de soprano y alto fueron interpretadas por las jóvenes y famosas: Henriette Sontag y Caroline Unger. Aunque la interpretación fue oficialmente dirigida por Michael Umlauf, maestro de capilla, él y Beethoven compartieron el escenario. El público terminó encantado, ovacionando a los músicos. Sin embargo la actuación del 23 de mayo en la sala de la fortaleza no tuvo gran asistencia.

Ives: Hilary Hahn and Valentina Lisitsa

2012-01-19T12:43:00.000-08:00

14th International Henryk Wieniawski Violin Competition.

2012-01-18T11:07:00.000-08:00

El internacional Henryk Wieniawski Violin Competition es un concurso de violinistas de hasta 30 años de edad que se lleva a cabo cada cinco años en Poznan , Polonia , en honor al virtuoso y compositor Henryk Wieniawski. El primer concurso tuvo lugar en 1935 en Varsovia , 100 años después del nacimiento de su patrón, y constaba de dos etapas. El segundo, después de un intervalo de 17 años en 1952, y los acontecimientos posteriores se llevaron a cabo en Poznan, en tres etapas.En 2001 se decidió que la competencia a partir de ahora se llevará a cabo en cuatro etapas. 14a Internacional Henryk Wieniawski Violin Competition, se llevará a cabo el 8 hasta 23 oct 2011.

Stefi Geyer

2012-01-13T11:47:00.001-08:00

Stefi Geyer (28 de junio de 1888, Budapest - 11 de diciembre de 1956, Zúrich) fue una violinista húngara.Era la hija de Josef Geyer, un médico de la policía que tocaba el violín. Cuando tenía 3 años empezó a tocar el violín, con resultados notables para alguien que nunca había tocado. Posteriormente estudió con Jenő Hubay. Béla Bartók y Othmar Schoeck, ambos enamorados de ella, escribieron conciertos para violín para Stefi. El Concierto para violín nº 1 fue publicado después de que él y Geyer habían muerto.Su primer matrimonio fue con el abogado vienés Erwin Jung. Murió durante la epidemia de gripe de la Primera Guerra Mundial. En 1920 se casó con el compositor suizo Walter Schulthess. Se trasladó a Zúrich, donde dio conciertos e immpartió clases en el conservatorio de 1934 a 1953. Ella dio clase a numerosos músicos, entre ellos el compositor Klaus Huber.

Concierto piano y orquesta n 1. Chopin - 3 _4 - Concierto Navidad

2012-01-11T11:48:00.000-08:00

Iván Martín se gradúa con honores en 1996 en el Harid Conservatory de Florida (USA). Posteriormente recibe el premio Fulbright para cursar estudios superiores en la prestigiosa escuela neoyorquina “The Juilliard School” bajo la tutela de Heidi Castleman.
Desde 1994 Iván Martín ha realizado numerosos recitales y conciertos de cámara en más de 25 paises. Desde 1998 solista de la Orquesta de la Comunidad de Madrid y de la Orquesta de Camara de España, En 1999 crea la sociedad de cámara Sartory Cámara con la que realiza una amplia labor en España. En la actualidad es miembro integrante del grupo de música contemporánea Ensemble Madrid y del Cuarteto Bretón con el que ha grabado toda la música de cámara de R. Halffter para el sello Naxos, interpretando como solista con la Orquesta Sinfónica de Tenerife, estrenando la Opera de Cámara de A. Charles “La Cuzzoni”, ha grabado también para Warner Music y en la actualidad está grabando los cuartetos de A. Aracil (sello VERSO).
Así mismo, Ivan Martin colabora asiduamente como viola principal en: Orquesta Andrés Segovia, Camerata de España y Orquesta de Cámara de Castilla la Mancha. Ha sido miembro de la Orquesta de Cadaqués y el grupo barroco Zarabanda. Ha participado en diversas ocasiones con orquestas como: Orquesta Nacional de España, Radio Televisión Española, Florida Philharmonic, Orquesta de Gran Canaria y como Solista de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León. Iván Martín se gradúa con honores en 1996 en el Harid Conservatory de Florida (USA). Posteriormente recibe el premio Fulbright para cursar estudios superiores en la prestigiosa escuela neoyorquina “The Juilliard School” bajo la tutela de Heidi Castleman.
Desde 1994 Iván Martín ha realizado numerosos recitales y conciertos de cámara en más de 25 paises. Desde 1998 solista de la Orquesta de la Comunidad de Madrid, En 1999 crea la sociedad de cámara Sartory Cámara con la que realiza una amplia labor en España, Argentina, Chile, Panamá y Uruguay. En la actualidad es miembro integrante del Cuarteto Bretón con el que ha grabado toda la música de cámara de R. Halffter para el sello Naxos, interpretando como solista con la Orquesta Sinfónica de Tenerife, estrenando la Opera de Cámara de A. Charles “La Cuzzoni”, ha grabado también para Warner Music y Deutsche Grammophon y en la actualidad está grabando los cuartetos de A. Aracil (sello VERSO). Así mismo, Ivan Martin colabora asiduamente como viola principal en: Orquesta Andrés Segovia, Camerata de España y Orquesta de Cámara de Castilla la Mancha. Ha sido miembro de la Orquesta de Cadaqués, el grupo barroco Zarabanda y la agrupación Ensamble Madrid. Ha participado en diversas ocasiones con orquestas como: Orquesta Nacional de España, Radio Televisión Española, Florida Philharmonic, Orquesta de Gran Canaria y comoSolista de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.

Alina Pogostkina

2012-01-10T11:16:00.000-08:00

Alina Pogostkina (nacido en Leningrado , 18 de noviembre de 1983) es una Violinista rusa de origen alemán. La hija de dos violinistas profesionales, Pogostkina comenzó a tocar el violín a la edad de cuatro años y rápidamente se mostró tener un talento excepcional. Ella le dio su primer concierto a la edad de cinco años.En 1992, la familia se mudó a Heidelberg , Alemania, donde Alina tenia ocho años de edad. Sus padres al principio tuvieron que ganarse la vida como músicos callejeros. Pogostkina ha competido con éxito en varios concursos internacionales de violín. En 2005 ganó el primer premio en el IX Concurso Internacional de Violín Jean Sibelius en Helsinki, así como un premio especial a la mejor interpretación del Concierto para violín de Sibelius. En el momento de su victoria en el concurso Sibelius, Pogostkina estaba estudiando en la Academia de Música Hanns Eisler de Berlín, Actualmente vive en Berlín . Alina Pogostkina ha actuado con muchas de las orquestas más importantes del mundo. En el momento de la competencia Sibelius toco un violín moderno, pero en la actualidad toca un Stradivarius de la Deutsche Stiftung Musikleben.

J. D. Heinichen: Concerto Grande in C minor (Seibel 240) - [incomplete] ...

2012-01-09T11:38:00.000-08:00

Nacio el 17 de abril 1683 - Krössuln [Crosslin], Sajonia-Anhalt, Alemania ,Murió: 16 de julio 1729 - Dresde , Sajonia, Alemania. Johann David Heinichen fue un compositor barroco alemán y teórico de la música que trajo el genio musical de Venecia a la corte de Augusto el Fuerte en Dresde . Aunque la música Heinichen es original, exuberante rítmica e imaginativa, que fue inexplicablemente poco conocida durante mucho tiempo. Johann David Heinichen nació en el pequeño pueblo de Krössuln, cerca de Weißenfels. Su padre Michael Heinichen había estudiado música en el célebre Thomasschule Leipzig relacionados con la Thomaskirche, se desempeñó como Kantor en Pegau y era pastor de la iglesia del pueblo en Krössuln. Johann era al parecer un niño superdotado, él afirmó que había compuesto y dirigido la música sacra en las iglesias locales antes de la edad de 12 años. In 1695 . En 1695, Johann David también asistió Thomasschule Leipzig. Allí estudió música con Johann Schelle y más tarde recibió lecciones de órgano y clavecín con Johann Kuhnau . El futuro compositor Christoph Graupner también fue alumno de J. Kuhnau en el momento. JD Heinichen matriculados en 1702 a estudiar Derecho en la Universidad de Leipzig y en 1705-06 el título de abogado (de principios del siglo 18 de la ley era una ruta favorable para los compositores, J. Kuhnau , C. Graupner y Georg Philipp Telemann fueron también a los abogados). Después de terminar sus estudios, se trasladó a JD Heinichen Weißenfels , donde ejerció como abogado hasta 1709. Sin embargo, la ley parece poco atractivo lugar para JD Heinichen, comenzó a componer música con asiduidad para la corte el duque Johann Georg, y en 1709 renunció a toda la ley y se trasladó a Leipzig a escribir para el teatro de la ópera allí. En 1710, publicó la primera edición de su gran tratado sobre el bajo continuo. JD Heinichen tuvo bastante éxito en Leipzig , pero decidió que tenía que aprender a escribir de primera mano la ópera italiana, y de repente dejó de Leipzig de Venecia en 1710. Que pasó en Italia siete años de formación que, en su mayoría en Venecia. Conoció a numerosos compositores de esa ciudad, incluyendo Antonio Vivaldi , y al parecer tomó el estilo italiano de forma rápida, por escrito dos óperas de éxito para el Teatro S Angelo. En 1717, JD Heinichen se convirtió en un compañero de JS Bach en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt- Köthen. Su fama se extendió por todo el camino hasta el príncipe elector de Sajonia, Augusto II, en Dresde. Augusto contratado JD Heinichen a compartir las tareas de maestro de capilla con Johann Christoph Schmidt en su corte en 1717. JD Heinichen pasó el resto de su vida allí. Corte de Augusto II fue una situación ideal para un compositor. Se contó con la mayor orquesta en Europa, por la que decenas de compositores (como A. Vivaldi , Telemann GP , y Albinoni Tomaso ) en forma espontánea escribió concerti, sino que emplean numerosos otros eminentes compositores, como Johann Joachim Quantz , Francesco Veracini, y Jan Dismas Zelenka ; y tenía un cliente que estaba decidido a mantener la reproducción de música. Aparte de una riña desastrosa en la compañía de ópera italiana entre Heinichen y el Senesino cantantes y Berselli, que finalmente resultó en la disolución de la sociedad, la tenencia de JD Heinichen fue pacífica y productiva. Él sólo escribió una ópera allí, pero escribió mucho la música vocal instrumental y sagrado, que combina elementos de los estilos italiano, francés y alemán en un reconocible estilo coherente, personal. Su música se deleita con los colores instrumentales del Dresde orquesta puede crear, y se mueve a lo largo de la primavera espléndida ritmo y vigor. Si su música es en ocasiones demasiado extrovertido, es un exceso perdonable . Mientras estaba en Dresde , JD Heinichen también tuvieron la oportunidad de volver a escribir su tratado Der general-Bass in der Composición ( Dresde , 1728), que ofrece mucho más que su título podría indicar, sino que es un manual para la composición, un análisis de la adecuada expresión de los afectos en la música, y un compendio de notas al pie y digresiones que suenan como un profesor impaciente instruir a sus estudiantes. Fue uno de los textos más respetados de su tiempo, y todavía es utilizado por los estudiosos que buscan una mejor comprensión de la práctica interpretativa del Barroco.Sus alumnos incluidos Johann Georg Pisendel . En 1721, JD Heinichen casó en Weißenfels y el nacimiento de su único hijo se registra en enero de 1723. En sus últimos años la salud Heinichen sufrió mucho y en la tarde del 16 de julio de 1729, fue enterrado en el cementerio de Johannes después de sucumbir a la tuberculosis. A pesar de Johann David Heinichen era bien conocido y respetado tanto como teórico y como compositor durante su vida, su nombre no habría sido reconocido por la mayoría de los oyentes de música clásica hasta el erudito / conductor Reinhard Goebel comenzó la defensa de su música durante la década de 1990. Desde entonces, los oyentes más y más se han familiarizado con alegre Heinichen, la música colorida, con encanto. Su música está disfrutando de un resurgimiento de la popularidad, con algunos de sus masas y su última obra, un Magnificat, recibiendo cierta atención en el mundo de la grabación.

Michael Andreas Haeringer, Reportaje rtv España

2012-01-08T01:38:00.000-08:00

El Cascanueces: Fantasía, música y danza.

2012-01-07T04:48:00.000-08:00

El Cascanueces se ha convertido en una pieza obligada de la época decembrina —pues la historia tiene lugar en la víspera de Navidad— y es una obra de arte en toda la extensión de la palabra. En ella se integran la literatura, en el libreto que adaptó Alejandro Dumas —padre— del cuento escrito por Hoffmann en 1816; la música, encargada a Tchaikovski en 1891, y las artes escénicas: la coreografía, solicitada a Marius Petipa, quien, por cuestiones de salud, permitió que su discípulo Lev Ivanov completara la creación. Pero vayamos por partes y en orden. La historia de E. T. A. Hoffmann es más compleja de lo que se muestra en el ballet: la historia comienza en vísperas de Navidad, pero no transcurre en una sola noche. Hay muchos invitados a la fiesta en casa del gobernador Shtalbaun, entre ellos Drosselmeyer, quien regala a su ahijada María un muñeco: el Cascanueces.

El Cascanueces y el rey de los ratones

En «El Cascanueces y el rey de los ratones», el cuento original, el autor emplea una tercera parte de su obra para relatar cómo, en la conjunción de los astros, los sabios supieron que Cascanueces —que en realidad era Nataniel, el hijo de Drosselmeyer, aunque feo y contrahecho por la maldición de la Dama Ratona— llegaría a ser príncipe y rey cuando se hiciera amar por una bella mujer. Por la noche, María se va a dormir con su muñeco y vive una aventura fascinante: Cascanueces cobra vida, lo mismo que el resto de los juguetes, y se enfrentan en una gran batalla contra los ratones comandados por su rey.

La adaptación de Dumas

La necesidad de simplificar la historia para adaptarla al ballet llevó a Alejandro Dumas a eliminar una gran parte del cuento original, y a modificar ciertas situaciones; por ejemplo, da a la heroína el nombre de Clara —que en el libro es una de la muñecas de María— y adapta la historia para ser representada en dos actos y cinco escenas. La primera escena es la víspera de Navidad. Drosselmeyer, el padrino de Clara, es un mago y presenta una función de marionetas. Los niños juegan y Fritz rompe el muñeco que le habían regalado a su hermana. En la siguiente escena ha anochecido, la sala donde se encuentra el árbol navideño adquiere un aire misterioso y Clara, al regresar en busca de Cascanueces, advierte que éste y los otros muñecos han cobrado vida y entablan una batalla contra el Rey de los ratones y su ejército; la joven, en un impulso, ahuyenta a los ratones lanzándoles uno de sus zapatos, y entonces descubre que Cascanueces es un príncipe. En la tercera escena la habitación se convierte en un bosque invernal. Ya en el segundo acto, en la escena cuatro, Clara y el príncipe inician un viaje a la cima del árbol, donde hay una nueva batalla contra los ratones, en la que Cascanueces es el vencedor. Ambos visitan el Reino de las Nieves, el de las Golosinas y el Río de la Limonada, donde el Hada del Azúcar baila para ellos, se oye la característica celesta1 y se les presentan danzas de distintas partes del mundo: la danza árabe, la china, la rusa «Trépak» y la danza de los mirlitones. La cereza de las danzas es el «Vals de las flores» creado al más puro estilo de los Strauss. Tras vencer al Rey de los ratones, María y Cascanueces viajan al País de los Dulces donde se encontrarán con el Hada del Azúcar y con el Hada de las Flores. María promete a Cascanueces que lo amará siempre a pesar de su fealdad. Un año y un día después, se rompe el hechizo, Cascanueces regresa convertido en rey de las muñecas y pide la mano de María.

Schubert en el parque de Viena saluda a unas jóvenes alumnas de piano

2012-01-07T04:33:00.000-08:00

Como es de suponer, en estos años Schubert no se dedicó sólo al teatro, en 1821 esbozó y casi terminó su Séptima sinfonía (que fue más tarde completada por el director de orquesta Weingartner), y entre finales de 1822 y comienzos de 1823 escribió dos movimientos, allegro y andante, de una nueva sinfonía: la Octava. Un amplio movimiento, scherzo, quedó ampliamente esbozado y finalmente el trabajo fue abandonado; se trata de la Sinfonía Inacabada, que se estrenó en Viena el 17 de diciembre de 1865 y ha conquistado la más amplia popularidad. También de 1823 es la Sonata para piano en la menor en tres movimientos, una obra concisa y concentrada en la misma línea creativa de la Inacabada.

El cuarteto Amar en Matiné. En programa, obras de Haydn, Webern y Mendelssohn.

2012-01-06T07:12:00.000-08:00

Dentro de la Matiné de este sábado a las 12.00 horas, podremos escuchar el concierto celebrado el pasado 24 de enero de 2010 en la iglesia alemana de Montreux, en Suiza. El Cuarteto Amar interpreta: el Cuarteto en Mi Bemol Mayor, hob. 3, de Franz Joseph Haydn; 6 Bagatelas para Cuarteto de Cuerda, de Anton Webern; y el Cuarteto número 6 en fa menor, de Felix Mendelssohn.

Violinist Gil Shaham for Beethoven Violin Concerto Finale, San Diego Sym...

2012-01-03T06:55:00.000-08:00

Éxito y sufrimiento

Beethoven hacia 1804, en la época de la Sonata Appassionata y de Fidelio. Decidido a «agarrar el destino por el cuello», compuso en el periodo de 1802 a 1812 una serie de obras brillantes y enérgicas características de su estilo «heroico».Muy pronto, Beethoven dejó de necesitar los conciertos y recitales en los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Debido a la pérdida de sus capacidades auditivas, se entregó a una febril actividad creadora, y, a la par, sufrió penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos. No llegó a casarse nunca, pero se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza. Antonie von Birkenstock, casada con el banquero alemán Franz Brentano, fue uno de los grandes amores de su vida.
Entre 1804 y 1807, estuvo enamorado de la joven y bella condesa Josephine Brunswick, viuda de Joseph Graf Deym. Su amor era correspondido por parte de la condesa pero este no pudo concretarse debido a las rígidas restricciones sociales de la época y la estricta separación entre la nobleza y el vulgo, por lo que la relación cesó. Durante este período, Beethoven había terminado Leonore, su única ópera. Compuso hasta cuatro oberturas diferentes y finalmente cambió el nombre de dicha ópera a Fidelio, en contra de sus deseos. El 20 de noviembre de 1805 fue la fecha de la primera representación, que tuvo poca afluencia de público, ya que esa misma semana las tropas de Napoleón habían entrado por primera vez en Viena. En los años siguientes, Beethoven incrementó su actividad creadora y compuso muchas obras, entre ellas la Quinta Sinfonía, la Sinfonía Pastoral, la Obertura Coriolano y la bagatela para piano Para Elisa. Sus apariciones en público eran cada vez más infrecuentes. El 22 de diciembre de 1808 Beethoven dio uno de sus últimos conciertos en vivo, en una larga jornada que incluyó el estreno de la Fantasía para piano, orquesta y coro Op. 80, las sinfonías Quinta y Sexta, el Concierto para piano n.º 4 Op. 58, el aria Ah perfido! y tres movimientos de la Misa en do mayor Op. 86. Tuvo como alumno al archiduque Johann Joseph Rainer Rudolph, hermano del emperador, y eventualmente se convirtió también en su más grande benefactor. En 1809, Beethoven no estaba conforme con su situación en Viena, especialmente bajo el aspecto económico. Entonces se planteó la invitación de Jerónimo Bonaparte, para dejar Viena y trasladarse a Holanda. Su vieja amiga la condesa Anna Marie Erdödy, logró convencer a Beethoven para que se mantuviera en Viena con la ayuda de sus más ricos admiradores, entre los que se encontraban el archiduque Rudolf, el príncipe Lobkowitz y el príncipe Kinsky, que ofrecieron a Beethoven una pensión anual de 4.000 florines, lo que le permitió vivir sin preocupaciones económicas. La única condición que le pusieron fue no abandonar la ciudad de Viena, condición aceptada por el compositor. Dicha pensión lo convirtió en el primer artista y compositor independiente de la historia, ya que anteriormente los músicos y compositores (Bach, Haydn y Mozart incluidos) eran sirvientes en las casas de la aristocracia, formando parte de su personal doméstico y componiendo e interpretando según sus amos les pedían. En cambio, las condiciones del arreglo al que llegó Beethoven con sus benefactores daban libertad al compositor de componer lo que él quisiera, bajo demanda o no, y cuando él quisiera.

Concierto de ano Nuevo 2012 desde viena Director Mariss Jansons Video 3

2012-01-02T12:00:00.000-08:00

El gran compositor austriaco Johann Strauss (1825 - 1899), nació en Viena y fue el miembro más brillante de una familia de músicos que tuvo que tomar clases de violín y armonía en secreto, dado que su padre, quizá por celos o porque se convirtiera en su rival, le prohibió dedicarse a la música. A los 17 años cuando su padre abandono la familia, se dedico de lleno su gran pasión y vocación. Strauss hijo elevó la categoría del vals, un género musical que ya era popular en distintos países de Europa, componiendo casi 500 valses.

Johann Strauss: El Danubio Azul

2012-01-02T11:52:00.000-08:00

El más conocido fue " El Danubio Azul" el cual se estreno el 13 de febrero de 1867, convirtiéndose en una de las piezas musicales más famosas del mundo.
Los versos que acompañan la composición fueron creados por Joseph Weyl, un policía amigo de Strauss, el cual hacía referencia al sistema de iluminación de la ciudad y no mencionaban para nada al Danubio. Tal vez por la falta de encanto de la letra, la música tampoco despertó entusiasmo en el público y fue olvidada. Pero en 1867 se le encargó a Strauss escribir algo para una exposición en París, y cuentan que como tenía poco tiempo, desempolvó la composición convertida en pieza orquestal y obtuvo un enorme éxito. En los meses siguientes se vendieron cien mil copias de la partitura y la obra se consagró bajo el nombre de "El bello Danubio azul", a pesar de que el río junto a Viena es de color entre gris y marrón. Pero la música se impuso sobre la realidad y el vals evoca un paisaje luminoso e indiscutible.
Sus composiciones captaron la admiración de eminentes compositores coetáneos, como Johannes Brahms al que le unía una gran amistad. Falleció de neumonía en su ciudad natal a la edad de 73 años.

Moderna Escuela de Viena (Neue Wiener Schule)

2011-12-31T10:36:00.000-08:00

La Escuela de Viena (Wiener Schule) o Moderna Escuela de Viena (Neue Wiener Schule), tal y como se la denomina en la literatura alemana, también conocida como Segunda Escuela de Viena , fue un grupo de compositores de la primera mitad del siglo XX liderados por Arnold Schönberg y sus alumnos en Viena. Fueron los primeros que emplearon la atonalidad y luego el dodecafonismo en la música occidental. Los principales miembros de la Escuela, además de Schoenberg, fueron Alban Berg y Anton Webern (la Trinidad Vienesa). Esta escuela de composición se considera vinculada a la estética expresionista. Las primeras composiciones de Schoenberg (quien fue básicamente autodidacta) y las de sus alumnos estuvieron influenciadas por el romanticismo en boga (Schumann, Wagner, Brahms, Mahler), música con un fuerte cromatismo. Schoenberg comenzó a experimentar con el abandono de las reglas de la tonalidad al tiempo en que entró en contacto con sus alumnos. Para 1908, todos componían obras en atonalidad libre, en un estilo expresionista. En el manifiesto de Der Blaue Reiter (1912) - movimiento artístico alemán relacionado al expresionismo y el arte abstracto liderado por Kandinsky - se publicaron lieder de la "trinidad": Herzgewächse Op. 20 de Schoenberg (texto de Maurice Maeterlinck), Warm die Lüfte Op. 2 Nº5 (texto de Alfred Mombert) de Berg y Ihr tratet zu dem Herde Op. 4 Nº 5 (texto de Stefan George) de Webern. Cuando Schoenberg descubrió en 1923 la técnica dodecafónica y la comenzó a usar en su música, la anunció a sus discípulos quienes comenzaron a usarla, cada uno dentro de su propio estilo. Si bien Schoenberg era un maestro bastante tradicional y conservador, sus alumnos supieron imprimir a sus músicas su propia personalidad e incluso tomar licencias de las reglas que había creado el maestro. Desde 1910 hasta el ascenso del nazismo, la Segunda Escuela Vienesa fue uno de los representantes de las vanguardias artísticas europeas, marcadamente opuesta al neoclasicismo cuyos líderes principales fueron Ígor Stravinski (quien en la última etapa de su vida escribió obras dodecafónicas) y Les Six de Francia. Con el ascenso del nazismo, Schoenberg, que era judío, se vio obligado a exiliarse y abandonó Alemania; sus discípulos se quedaron en Austria, pero pasaron penurias económicas por la censura que les impuso el gobierno por considerar a su música arte degenerado; el grupo quedó truncado. Pronto, en 1935, el más joven y probablemente el más famoso de ellos, Alban Berg, murió de una septicemia. A finales de la Segunda Guerra Mundial, Anton Webern murió por un disparo de un soldado norteamericano borracho cuando intentaba huir a pie de Viena, y Schoenberg, el maestro y el mayor de edad, irónicamente fue quien les sobrevivió, exiliado en los Estados Unidos de América. El principal aporte de la Segunda Escuela Vienesa en la música clásica es su audaz incursión en la atonalidad y luego en el dodecafonismo, que tuvieron una poderosa influencia durante todo el siglo XX, y que dio lugar después al serialismo, inspirado sobre todo por Webern.

Concierto de Año Nuevo desde el Musikverain de Viena

2011-12-31T06:28:00.000-08:00

Gracias a la Unión Europea de Radiotelevisión, Radio Clásica de Radio Nacional de España, La 1 de Televisión Española y Rtve.es conectarán en directo con el Musikverein de Viena para transmitir el tradicional Concierto de Año Nuevo. Este domingo, día 1 de enero, a partir de las 11.15 horas, Mariss Jansons llevará la batuta al frente de la Orquesta Filarmónica de Viena para dar la bienvenida al 2012 a ritmo de vals con una selección de títulos imprescindibles firmados por Johann y Josef Strauss; un programa que además incluye obras de Tchaikovsky, Lumbye o Ziehrer. De la mano de José Luis Pérez de Arteaga, los oyentes de Radio Nacional de España y los espectadores de Televisión Española, disfrutarán de esta cita ineludible del calendario musical.

Mariss Jansons, maestro de ceremonias:

El maestro de ceremonias es Mariss Jansons, una de las batutas más sobresalientes de las últimas décadas. Su madre que era de origen judío, lo alumbró a escondidas en el gueto de Riga (Letonia, 1943), tras el asesinato de varios familiares debido a la persecución nazi. Hijo del también director de orquesta Arvid Jansons, Mariss comenzó a estudiar en el Conservatorio del antiguo Leningrado y se perfeccionó en Salzburgo bajo la tutela de Herbert Von Karajan. Ha ejercido como capitán de orquestas tan prestigiosas como las de San Petersburgo, Oslo y Londres. Debido a un ataque cardíaco no pudo concluir la dirección musical de una representación de La Bohème de Puccini en 1996. Recuperado de aquella dolencia, Jansons es el director de la Royal Concertgebouw de Ámsterdam desde 2004, cargo que compagina también con la titularidad de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Mariss Jansons ya tuvo el honor de ser elegido por la Orquesta Filarmónica de Viena para dirigir la sesión del Concierto de Año Nuevo en 2006, una experiencia que repite este domingo por la mañana en el Musikverein de la capital austríaca.

Valses y polkas en un programa festivo:

Desde el Salón Dorado del Musikverein de Viena disfrutaremos con un cuidado repertorio que incluye obras de Johann y Josef Strauss, Carl Michael Zieher, Joseph Hellmesberger (hijo), Hans Christian Lumbye y Piotr I. Chaikovski. El programa oficial anuncia títulos como el celebérrimo ‘Delirios’ de Josef Strauss, y los efectistas ‘Bajo truenos y rayos’ y ‘Tic-Tac’ de Johann Strauss. El maestro Mariss Jansons se sube por segunda vez en el podio de la Orquesta Filarmónica de Viena para clausurar la mañana como no podía ser de otro modo, con el ‘El Danubio Azul’ de Johann Strauss (hijo), seguido de la popular ‘Marcha Radetzky’.
Como es ya habitual en la gala, la Orquesta Filarmónica de Viena lanza un guiño a la actualidad. En esta edición, se interpretarán dos piezas que se refieren al gran acontecimiento deportivo de 2012: los Juegos Olímpicos de Londres. ‘La Polca de Albión’ fue dedicada por Johann Strauss al esposo de la Reina Victoria de Inglaterra, el Príncipe Albert von Sachsen-Coburg-Gotha. Y con la ‘Polca Jockey’, Joseph Strauss describe musicalmente su deporte ecuestre preferido.
Y quienes sigan el Concierto de Año Nuevo a través de La 1 (TVE ) y de RTVE.ES podrán contemplar la actuación del Ballet de la Ciudad de Viena desde el Palacio Belvedere con una espectacular coreografía.

Gracias a la UER se emite a más de 70 países:

El primer Concierto de Año Nuevo tuvo lugar el 1941 bajo la dirección de Clemens Krauss (1893-1954) quien ya había celebrado un concierto similar en el día de San Silvestre de 1939. El maestro Krauss fue relevado en la batuta por el violinista Willy Boskovsky (1909-1991), responsable desde 1954 hasta 1979. Pero fue Lorin Maazel quien durante la década de 1980, elevó esta tradición al rango de fenómeno mediático de repercusión internacional. Desde 1987, la Orquesta Filarmónica de Viena invita a un director distinto en cada edición para contar así con el apoyo de figuras de prestigio profesional y renombre comercial.
En 1959 la televisión pública de Austria transmitió por primera vez el Concierto de Año Nuevo, que a través de la Unión Europea de Radiotelevisión llega a los hogares de más de 70 países abarcando una audiencia de millones de personas. Televisión Española se sumó al encuentro musical en 1964, emitiendo la segunda parte del concierto. Desde el año 2000 se transmite en directo el programa completo, tanto en Radio Nacional de España como en Televisión Española. Y desde hace un par de temporadas, podemos disfrutar de esta gran fiesta de la música también en HD. Este domingo, 1 de enero, pueden seguir en directo el Concierto de Año Nuevo con la Orquesta Filarmónica de Viena en La 1 de TVE, en TVE HD, en la web de RTVE.ES y en Radio Clásica, Radio Nacional de España.

Bach - Brandenburg Concerto No. 5 in D major BWV 1050 - 1. Allegro

2011-12-30T11:29:00.000-08:00

Los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach ( BWV 1046-1051, título original: Seis conciertos por instrumentos plusieurs) son una colección de seis obras instrumentales presentadas por Bach a Christian Ludwig , Margrave de Brandenburgo - Schwedt , en 1721 (aunque probablemente compuesto antes). Ellos son considerados por muchos como una de las mejores composiciones musicales de la época barroca .

Schubertiadas, el silencio de Göethe y "La serenata" de Schubert

2011-12-30T11:21:00.000-08:00

Schubert, al piano, acompaña al cantante Vogl en una velada en casa de amigos. (Oleo inacabado de Moritz von Schwindt, amigo de Schubert, 1868)

En sus escasos 31 años, Franz Schubert compuso alrededor de 1.500 piezas. Un buen número de ellas son lieder, cerca de 800, para una voz o para varias voces, acompañadas de piano u otros instrumentos. La palabra lied (lieder es el plural en alemán) no tiene traducción al español, pero puede asemejarse a "canción", pues de eso se trata más o menos. La diferencia con nuestras "canciones", descontada la altura artística y musical, estriba en que los versos proceden de grandes poetas (Göethe, Heine, Schiller) o de los amigos de Franz que por aquella época lucían cierto renombre como tales. De duración inferior a cuatro o cinco minutos, podían cantarse uno tras otro en reuniones sociales alrededor de buen vino, música y literatura, en casa de Schubert o de sus amigos, veladas que posteriormente recibieron el nombre de "schubertiadas". En 1814, a los 17 años, el joven Franz había comenzado a desempeñarse como asistente en la escuela que mantenía su padre, recibiendo por ello un sueldo miserable. Encargado de la clase de párvulos, con seguridad no fue un gran maestro porque su alma y su espíritu estaban ya definitivamente con la poesía y la música. La segunda mitad de 1814 y todo el año 1815 son por ello fértiles en la producción de obras. Conoce al poeta Mayrhofer, a quien ya había "musicalizado" y escribe una de las creaciones más geniales del período con texto de Göethe, a quien Franz admiraba profundamente. Uno de sus amigos decide que es hora de contactarse con Göethe para hacerle saber de este muchacho que apoyado en sus versos compone música maravillosa. Y envía al poeta alemán una serie de lieder inspirados en sus textos, solicitando su aprobación para que le sean dedicados. (Suponemos que por esos años el derecho de autor estaría en pañales. Hoy, hasta el más antisistema de los poetas armaría un berrinche de padre y señor mío.)
"El que suscribe se permite robar con estas líneas algunos instantes de su tiempo tan precioso... las poesías... han sido puestas en música por un compositor de 19 años... (y desea que) le sea permitido consagrar humildemente esta colección a Vuestra Excelencia... el joven artista se sentiría dichoso de merecer la aprobación... le ruego tenga la extrema cortesía de favorecerme con su respuesta". Göethe no contestó. Diez años después, en 1825, será el propio compositor quien envíe a Göethe sus poemas trasladados al pentagrama. El vate se hará el sordo nuevamente. Al pequeño Franz le quedan solo tres años de vida.
La famosísima Serenata de Schubert es uno de los 14 lieder que conforman el ciclo Schwanengesang (El canto del cisne), de 1828. Lleva el número cuatro y está compuesto sobre versos del poeta Rellstab, el mismo que habría dotado de nombre propio a la sonata "Claro de Luna", de Beethoven.
Se presenta una versión para violín y piano con la interpretación magistral del violinista de origen ucraniano Mischa Elman (1891-1967) en grabación de alrededor de los años veinte o treinta, creemos, por el extraño sabor del ruido de fondo de un soporte previo al vinilo.

Schubert - Ständchen: "Leise flehen meine Lieder" (Transkription von Liszt)

2011-12-30T11:15:00.000-08:00

La famosísima Serenata de Schubert es uno de los 14 lieder que conforman el ciclo Schwanengesang (El canto del cisne), de 1828. Lleva el número cuatro y está compuesto sobre versos del poeta Rellstab, el mismo que habría dotado de nombre propio a la sonata "Claro de Luna", de Beethoven.
Se presenta una versión para violín y piano con la interpretación magistral del violinista de origen ucraniano Mischa Elman (1891-1967) en grabación de alrededor de los años veinte o treinta, creemos, por el extraño sabor del ruido de fondo de un soporte previo al vinilo.

Bach - Brandenburg Concerto No. 5 in D major BWV 1050 - 1. Allegro

2011-12-25T02:30:00.000-08:00

Los Conciertos de Brandeburgo de Johann Sebastian Bach ( BWV 1046-1051, título original: Seis conciertos por instrumentos plusieurs) son una colección de seis obras instrumentales presentadas por Bach a Christian Ludwig , Margrave de Brandenburgo - Schwedt , en 1721 (aunque probablemente compuesto antes). Ellos son considerados por muchos como una de las mejores composiciones musicales de la época barroca .

El compositor Robert Schumann junto a su esposa, Clara Wieck, que fue una virtuosa del piano

2011-12-20T04:42:00.000-08:00

(Zwickau, actual Alemania, 1810-Endenich, id., 1856) Compositor alemán. Tanto su vida como su obra lo convierten en uno de los paradigmas del Romanticismo musical alemán. Hijo de un librero, la literatura y la música compartieron sus inquietudes artísticas durante su juventud, hasta el punto que Shumann estuvo dudando entre ambas vocaciones. Aunque acabó imponiéndose la música, nunca abandonó la escritura de poemas en la más pura tradición romántica, la de sus admirados Goethe, Schiller, Novalis, Byron y Hölderlin. Fue, además, fundador y redactor de la Neue Zeitschrift Für Musik (1834), publicáción que se convirtió en el órgano difusor de las teorías musicales más progresistas de su época, a través de una serie de artículos apasionados y polémicos redactados por él mismo. Alumno de piano de Friedrich Wieck, en casa de éste encontró a la que, y a pesar de la inicial oposición paterna, desde 1840 sería su esposa: Clara Wieck (1819-1896), una excelente pianista que se convertiría en la principal intérprete de su música para teclado, además de ser también ella una apreciable compositora. El deseo de Schumann de llegar a ser un virtuoso del piano se truncó a causa de una lesión en la mano derecha, de la que no consiguió recuperarse. A raíz de su matrimonio, el compositor aleman, que hasta ese momento había centrado su producción en la música para piano y el lied, empezó a concebir proyectos más ambiciosos, tanto sinfónicos ocmo camerísticos y operísticos, estimulado por su esposa. La primera de sus cuatro sinfonías data de 1841, mientras que su célebre Concierto para piano en la menor es solo cuatro años posterior. Los últimos años de vida de Schumann estuvieron marcados por el agravamiento de la inestabilidad nerviosa que lo había acompañado desde su juventud, tras un intento de suicidio en 1854, fue internado en una casa de salud en Endenich, donde permaneció recluido hasta su muerte.

FÉLIX MENDELSSOHN-BARTHOLDY (1809-1847)Concierto para violín y orquesta en mi menor Op. 64

2011-12-19T10:50:00.000-08:00

-Allegro molto appassionato -Andante -Allegretoo non troppo - Allegro molto vivace. El 30 de julio de 1838, Félix Mendelssohn escribió una carta a su amigo Ferdinand David, uno de los más distinguidos violinistas de la época. En ella le decía lo siguiente: "Quiero escribir un concierto para violín par ati el próximo invierno; uno en mi menor estça dando vueltas en mi cabeza, cuya introducción no me deja en paz un momento" con esas palabras Mendelssohn inició la composición última gran obra maestra, que además se ha convertido en uno de los Conciertos más populares en toda la historia musical. Existe una buena cantidad de bosquejos del autor sobre una pieza como la que tenía en mente, peor que datan de muchos años antes de que cobraran su forma definitiva; además impresionante correspondencia que exisitió entre Mendelssohn y David durante seis años al respecto de este concierto, nos da una idea de cúanto deseaba el compositor cuidar hasta el último detalle. Con esa relación, encontramos en Mendelssohn al constructor y arquitecto sonoro mientras que David como su asesor en aspectos técnicos. Y muy cierto es que ran almas muy cercanas; se Concierto siendo apenas adolescentes, y sus carreras se unieron en varias ocasiones: cuando Mendelssohn fue nombrado director de la Orquesta Gewandhaus de Leipzig le pidió a David fuera su concertino, y al funda el conservatorio de esa misam ciudad hacia 1843 nuevamente solicitó a David que tomara bajo su érgida la cátedra de violín. Lo cierto es que dentro de esa intensa relación artística Mendelssohn no había econtrado el tiempo suficiente para componer aquel Concierto que tanto le había prometido a su colega. Fue hasta el 16 de septiembre de 1844 que el compositor terminó la partitura, y hasta el 17 de diciembre le pidió a David que revisara el manuscrito. Finalmente, el Concierto vio la luz el 13 de marzo de 1845, con David en la parte solista y la Orquesta Gewandhaus dirigida por el compositor y director danés Niels Gade. El Concierto para violín de Mendelssohn ha sido admirado desde su estreno como un verdadero ramillete de innovaciones y múltiples virtudes. Al respecto, Donald Francis Tovey escribió: "Envidio en gran medida el regocijo de cualquier persona al escuchar el Concierto de Mendelssohn por primera vez en su vida y encontrar, como en Hamlet, que está llena de citas." Seguramente uno de los momentos que parece como una cita musical para toda la posteridad es la maravillosa melodía con la que inicia el violín tan sólo dos compases de ligera introducción orquestal, lo cual, además, resultaba novedoso en aquellos tiempos (sólo encontrando paralelo con el inicio del Concierto Emperador de Beethoven o el Concierto Jeunehomme de Mozart). La interesante propuesta de Mendelssohn con ello es que solista y orquesta exploren juntos la exposición, dejando a un lado la doble exposición al estilo clásico. Por otro lado, también hace una innovación al ubicar la cadenza no al final del primer movimiento sino entre la sección del desarrollo y la recapitulación. Por si fuera poco, y como también ocurrió en su Sinfonía escocesa, Mendelssohn concibió su concierto para violín en tres movimientos, aunque estos sean escuchados como uno solo en fluir continuo; el puente entre los movimientos primero y segundo lo constituye una nota en el fagot, como evocando el sonido de un órgano, y que nos lleva directamente a uno de los movimientos más ricos del repertorio de este autor. Por su parte, el movimientos central y el final son encadenados por catorce compases en el violín ,protagonizando una suerte de recitativo operístico, lo cual desemboca en una sección plena de virtuosismo y frescura. Joseph Joachim, quien fue uno de los grandes violinistas del siglo XIX, y responsable del estreno de algunos de los más importantes Conciertos par asu instrumento en su tiempo, llegó a declarar: "Los alemanes cuentan con cuatro Conciertos para violín. El más grande de todos, sin reservas, es el de Beethoven. El de Brahms, por su seriedad, compite con el anterior. Max Bruch escribió el Concierto más rico y pleno de magia. Pero el más íntimo, la joya del corazón, es aquel de Mendelssohn."

Joshua Bell - The Four Seasons "Summer" III. Presto

2011-12-10T12:04:00.000-08:00

Noa Wildschut en Janine Jansen in De Klassieken

2011-12-06T05:48:00.000-08:00

Las cuerdas olvidadas de violines recuerdan los horrores del Holocausto

2011-12-03T10:15:00.000-08:00

Amnon Wwinstein ha restaurado algunos instrumentos que tocaron judíos en los campos de concentración; les llama violines de la esperanza.

Escondido en un sótano en el centro de Tel Aviv, en medio del olor de aserrín y barniz está un taller de instrumentos musicales cuyo propietario y su hijo han pasado los últimos 15 años encontrando violines, que fueron tocado por víctimas judías del Holocausto, para devolverles la vida. "Los alemanes confiscaron a los judíos cada violín, viola y violonchelo que pudieron, y estamos hablando de miles , a los que se llevó el viento", dijo Amnon Weinstein, mientras labora entre decenas de violines y arcos que cuelgan de las paredes y techos de su especial lugar de trabajo.

Weinstein es un luthier, un artesano de instrumentos de cuerda, un recuerdo de una era pasada, cuyo bigote y anteojos hacen poco para esconder su pinta de excéntrico. Dice que casi todo los sobrevientes que tocaron en los campos de concentración debían sus vidas a sus instrumentos.

"Los alemanes los necesitaban para engañar a los judíos. En los campos, si alguien estaba tocando un violín, nadie pensaría que al lado había una camara de gas. Ese era el plan de esta horrible gente", dijo Weinstein, que perdió casi a 200 miembros de su familia durante el Holocausto.

El propio camino de Weinstein comenzó después de contratar a un aprendiz alemán que lo convenció de dar una conferencia a la Asociación Alemana de Luthiers en Dresden, con el tema de cómo los instrumentos alemanes y austriacos llegaron hasta israel.

En 1936, Bronislav Huberman, un prodigio del violín, que nació en Polonia en 1882, y Arturo Toscanini, un director italiano, decidieron formar una orquesta filarmónica en Palestina, explicó Weinstein. "Por supuesto, ellos nunca podrían haber compendido lo que los nazis había planeado para el pueblo judío durante el Holocausto, pero ellos sabían que la situación se estaba deteriorando", dijo. Durante los primeros ensayos en 1936, la mayoría de los músicos que venían a Palestina desde Europa aún apreciaba a los fabricantes de violines y arcos alemanes, dijo Weinstein. Cuando el padre de Amnon, Moshe, también un luthier, emigró en 1938 de Vilna en Polonia, comenzó a dar servicio a los instrumentos de la orquesta de Huberman y Toscanini.

Pero cuando las noticias de la campaña contra los judíos de Europa llegaron a Palestina, estos músicos se negaron a seguir tocando instrumentos alemanes, dijo Weinstein.

"La gente que tocaba instrumentos alemanes o los rompió a los quemó, y algunos fueron con mi padre diciéndole que los tirarían a la basura si él no los compraba", recordó. Tras la conferencia inicial de Weinstein, pidió en la radio que las personas se presentaban con más historias sobre los "violines del Holocausto". Sólo entonces, comenzó a recibir instrumentos que fueron tocados en campos de concentración e inició la verdadera búsqueda por los sobrevivientes. En almacenes, mercados de antigüedades y tiendas de violines, encontró violines que pertenecieron a artesanos judíos en Polonia y familias Klezmer en Europa central, desde los guetos de Varsovia, y campos de concentración como Auschwitz.

Cada violín, algunos de los cuales llevan la estrella de David, cuenta una historia extraordinaria y el luthier asegura que puede identificar la historia del instrumento por las marcas y cicatrices que hay en él. "Hoy en día soy como un policía. Puedo identificar cuáles sufrieron y cuáles no. Los que estuvieron en el Holocausto llegaron en condiciones horribles, así que el taller tomó la decisión de hacer un instrumento de concierto de cada uno de ellos", dijo Weinstein, quien ahora salvaguarda más de 26 de estos instrumentos. En su propia estimación, él ha realizado una labor voluntaria por el equivalente a casi 200,000 dólares en trabajo para su proyecto, pero mientras más tiempo pasa, se vuelve más difícil encontrar esos instrumentos. Tras el final de la Segunda Guerra Mundial en 1945, muy pocos sobrevivientes llegaron a Palestina. No podían imaginar o soportar estar en una nueva guerra y por eso, un gran porcentaje, emigró a Estado Unidos, de acuerdo con Weinstein.

"Entre 80 y 85%, de los sobrevientes fueron a EU, nadie quería venir a Israel, era de nuevo un lugar en guerra. 89% de ellos , pusieron sus violines en el ático y se olvidaron de ellos ", dijo. Los violines, como los recuerdos, se desvanecieron en las décadas posteriores a la guerra. Al pasar los años, las generaciones siguientes sabían poco sobre los instrumentos olvidados. Muchos de ellos fueron desechados, pero algunos llegaron a las manos de anticuarios y fabricantes de violines, donde Weinstein los localizó.
"Es un periodo muy complicado que es imposible de entender, imposible de explicar, pero el sonido del violín nos lleva de nuevo a ese tiempo. Hoy en día es difícil convencer a la gente que algo como esto sucedió. Esa es nuestra misión, que todo el mundo entienda un poco la fricción. El violín es una fricción, pero puedes escuchar un sonido y hace la vida un poco más comprensible". dijo.

Los "Violines de Esperanza" han sido tocados en orquestas en todo el mundo, incluyendo Turquia, Suiza, Israel y Estados Unidos. Weinstein dijo que su búsqueda continurará para que su música y recuerdos puedan seguir siendo compartidas.

DAVID GARRETT ♫ Vivaldi

2011-11-21T12:45:00.000-08:00

Los violines Stradivarius, cinco joyas que se conservan en el Palacio Re...

2011-11-12T02:46:00.000-08:00

Johannes Brahms - Alegretto

2011-11-11T11:38:00.000-08:00

Presentación del dossier de Scherzo "Música y sociología"

2011-11-11T11:27:00.000-08:00

Ana Vega-Toscano, Luis Suñen, y Javier Noya (director del grupo de Investigación Musyca) presentarán el dossier que el Grupo ha publicado en la revista Scherzo nº268, de noviembre, con el título "Música y sociología".

Hace 100 años el clásico de la sociología Max weber escribía su único texto monográfico sobre la música:" Fundamentos racionales y sociológicos y de la música". Con motivo de esta efemeride, el grupo de investigación Musyca-Música, Sociedad y Creatividad Artística de la Universidad Complutense de Madrid ha preparado un dossier sobre la disciplina, sus enfoques, etc.

En él se abordan temas clásicos, como el legado del mismo Weber o la compleja relación entre la música, pero también se presta atención a temas actuales que se están investigando en el área, como la música y el espacio, o la sociología de la danza.

Vivaldi: Concerto for 2 violins Op 3 Nº 8 RV 522

2011-11-09T11:43:00.000-08:00

Piano stairs - TheFunTheory.com - Rolighetsteorin.se . Las escaleras del metro convertidas en un piano gigante

2011-11-08T05:48:00.000-08:00

Janine Jansen llega a Sevilla avalada por su éxito en internet

2011-11-06T06:25:00.000-08:00

Janine Jansen (Ultrech 1978) es la reina de las descargas de Internet. Esta joven es la violinista que los fans de la música clásica llevan en sus iPod. Jansen ha decidido que la música barroca de Bach entre el la red y en el mundo de las nuevas tecnologías. Y es que esta violinista sabe rescatar obras clásicas y además recuperar su éxito perdido.

Con motivo del lanzamiento de su último disco "Bach, inventions & Partita", la artista holandesa , llega a España. Su primera parada fue el día 14 en A Coruña , hoy estará en Sevilla gracias al Ciclo de Música de Cámara que se ofrece en el Centro Cultural de Cajasol a las 20.30 horas. Por último estará mañana en Las Palmas de Gran Canarias interpretando su último disco.

Janine jansen se siente orgullosa por ser considerada como la reina de las descargas en internet insitiendo de que sus interpretaciones son descargadas incluso por los que no son aficionados a este tipo de música. Y es que su interpretación de las "Cuatro Estaciones" de Vivaldi, ejecutada con instrumentos de cuerda, ha acumulado casi el 73 por ciento de todas las ventas que existen en ¡Tunes de esta grabación. Es sorprendente ver que las descargas de música clásica aumentan en número y todo gracias a ella.

Ahora interpretada el barroquismo de Bach porque cree que su música es pura. Las piezas musicales que representa no han sido muy interpretadas anteriormente y por eso. Janine Jansen las rescata.

La grabación de "Bach, Inventions & Partida" abre con unas quince piezas de la parte Dos adaptada para violín y viola, después el sólo de la Partida que contiene cuatro danzas tradicionales y cierra con una monumental Chacona (composición de origen español). Concluye con quince piezas de las Invenciones de la parte tres, adaptadas a violín, viola y chelo.

Nannerl, la confidente de Mozart

2011-11-06T06:07:00.000-08:00

Una filme de René Féret, que se estrena hoy en España, recupera la figura de la hermana del genial músico, cuyas dotes también musicales fueron ensobrecidas por las de su hermano y por su condición de mujer.

Si fuera de una persona cualquiera, el retrato estaría ahora guardado en algún almacén o quizá en manos de un coleccionista de objetos de época. Pero ella era Mozart, hija de Leopold y hermana de Wolfgang Amadeus. Quien conozca a la familia lo averiguará por el rostro: pómulos ardientes y sonrosados, ojos oscuros y observadores, sonrisa todavía ingenua aunque en algo pícara, simpática.

En 1763, cuando Pietro Antonio Lorenzoni pinta el cuadro aún tiene 12 años, de manera que pareciéndolo, no alcanza a ser mayor. Por eso los detalles parezcan impropios: los pendientes de filigrana, el pequeño tocado, el brocado de tafetán blanco con toda clase de adornos incluido en el traje. En realidad, digno de una princesa, que para eso se lo había regalado la emperatríz María Teresa en Viena, donde ella, Maria Anna, había mostrado sus mejores dotes musicales. Lorenzoni lo sugiere al introducir en segundo plano un clave sobre el que reposa una partitura y al añadir algunos detalles velados (un cortinaje, una columna) que otorgan al cuadro una solemnisdad clásica, digna de alguien con prestigio.

Ver el retrato es fácil: el original se expone en la turística casa de los Mozart en Salzburgo. A su lado cuelga el del hermano, más naif todavía pues siendo tan niño aparece de pie sobre la banqueta de clave, con el traje de gala ribeteado con anchos galones de oro dobles. Lo hicieron para el archiduque Maximilan Franz y que luego se lo regalaron. Lo hicieron para el archiduque Maximilan Franz y que luego se lo regalaron. Mucho lujo para explicar que, por aquel entonces, los dos recorrían Europa alardeando de musicalidad. Luego también, porque la historia cambia en muy pocos detalles. María Anna envejecerá dedicada a la familia y con el prestigio de sus portentosas habilidades artísticas; y el niño cumplirá años sin parecerlo, siempre superdotado para el ejercicio de la profesión e inseguro ante muchos detalles cotidianos. Ambos estuvieron juntos en los primeros años, cuando ella le protegía y acompañaba, y juntos seguirán después: la una confidente del otro y él orgullosos de su hermana mayor.

Clara Josephine Wieck -.En toda Europa considerada una de las mejores pianistas y compositoras de su época-.

2011-11-05T06:47:00.000-07:00

Clara Josephine Wieck nació en Leipzig, el 13 de septiembre de 1819, fue compositora y pianista desde los ochos años: sus dotes de interpretación alcanzaron el virtuosismo. Su talento fue reconocido en toda Europa antes de su matrimonio y fue considerada una de las mejores pianistas de la época, tan genial como Franz Lizt.

Clara fue admirada también por diversas personalidades destacadas: como Mendelssohn, Goethe, Brahms, Chopin, Paganini o el mismo Lizt. Desde 1872 hasta 1892 fue profesora en el Conservatorio de Frankfurt.

A partir de los cinco años estudió, al igual que su hermana Maria, piano y composición con su padre, Friedrich Wieck, un reconocido pedagogo y pianista. En 1830 la pequeña Clara, de once años, escribió su primer Lied, en 1827 habia tocado por primera vez con una orquesta. A los nueve años, hizo su debut como virtuosa del piano, tocando variaciones sobre un tema de Rossini. En pocos años Clara se había convertido en la pianista más famosa de su época. Robert Schumann (1810-1856), uno de los numen del romanticismo, soñaba desde pequeño en convertirse en un gran pianista. Después de estudiar composición inició un curso de estudio con Friedrich Wieck. De esta manera Schumann conoció a Clara, quien para entonces ya era concertista profesional, y pronto nacería el amor entre ellos. Pero el enamoramiento de Clara enfureció a su padre, seguramente por los hábitos de Robert: de carácter marcadamente depresivo, sin medios para mantener una familia y por sus fracasos en las relaciones con otras mujeres. Friedrich envió a Clara a Dresde y le prohibió cualquier tipo de comunicació con Schumann. Aunque los enamorados encontraron la manera de cartearse.

Finalmente en 1840, después de tres años de noviazgo y tras superar la oposición del padre por medio de los tribunales, se casaron y en los años siguientes Robert se dedicó a la composición sinfónica. Clara, a pesar de su talento musical, decidió dedicarse a Robert y a sus hijos (tuvieron hasta ocho).

Pero a pesar de los éxitos de Robert y la dedicación de Clara, los jóvenes esposos tenían graves problemas financieros yen 1844 aceptaron hacer una gira en Rusia, esperando resolver así sus difícil situación. Tuvieron mucho éxito pero pocos ingresos. La salud de Robert, siempre delicada, comenzó a deteriorarse, sufrió varias crisis depresivas y el médico les recomendó que cambiasen de aire y la familia se trasladó a Dresde. Allí, Robert compuso varias obras y posteriormente Clara intentó promocionar la obra de Robert en una gira por Viena, sin conseguir éxito. Las composicíones de Shumann ya no despertaban excesivo entusiasmo y el compositor comenzó a decaer alarmantemente: sufría alucionaciones y desvaríos. Clara sufría profundamente viendo padecer a su esposo y sintiendose impotente para ayudarle.

En 1854 Robert, desesperado y con la mente confusa, se arrojó al Rhin, donde fue salvado por unos pescadores. Clara que se encontraba en el sexto mes de un nuevo embarazo tuvo que internarlo en un sanatorio para enfermos mentalesy continuó de gira ofreciendo conciertos por toda Europa en teatros y asociaciones para mantener a su marido y sus hijos. En 1872, para poder estar más cerca de su familia, aceptó un puesto como profesora en el Conservatorio de Frankfurt donde dio clases hasta 1892. Durante estos años se dedicó a la publicación de las obras pianísticas y el epistolario de su Robert.

Clara tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal, como la separación de sus padres, la muerte prematura de cuatro de sus hijos y la crisis nerviosas, el intento de suicidioy la posterior muerte de su esposo. Pero también tenía algunas inseguridades: dudaba de su belleza, de su talento como pianista y como compositor, en su diario llegó a escribir:

"Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?" Estas inseguridades (provocadas por el papel de la mujer en el S. XIX), unida sus carrera de concertista, sus ocho hijos y la devoción por sus esposo fueron algunas de las razones por las que no se dedicó en mayor grado a componer.

Clara, a través de sus conciertos, ayudó a promover la música de Robert y de diversos músicos, como la de su amigo Johanes Brahms. Su amistad con BRahms, iniciada durante el período de su matrimonio con Schumann, duró cuarenta años y la confortó mucho en sus tribulaciones. Johannes Brahms siempre se sintió fascinado por la personalidad de Clara (afectuosa y fiel), y estaba completamente convencido de su genialidad. En carta a un amigo, Brahms escribe: "He enseñado a Clara mi sinfonía: me ha sugerido algunos cambios que pienso respetar. Mi estima por ella es infinita".

Antes de su matrimonio, Clara había escrito varias obras: cuatro polonesas para piano, caprichos en forma de vals y varias romanzas, otras obras para piano, además de lieder, preludios, fugaas variaciones del concierto para piano sobre una cavatina del pirata de Bellini, un precioso trío para viólin, violochelo y piano (op.17), y una obra impresionante: un concierto para piano y orquesta en la menor (op.7), (la comenzó a componer con 14 años y la finalizó en 1835 ¡tenía sólo 16 años!). Sin embargo, no hay ninguna composición de los años de su matrimonio. Clara sacrificó su genio como compositora durante los años que vivieron juntos: se limíto a inspirar y enriquecer con hermosas sugerencias los trabajos de sus esposo.

La grandeza de Clara como mujer, intérprete y compositora permanece. Es evidente que su obra musical no está inspirada en la del marido, más bien es la música de Robert la que está en deuda con la de Clara.

Villa Bertramka en Praga, museo de Mozart

2011-11-05T06:35:00.000-07:00

En sus 36 años de vida, el célebre compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart visitó Praga en tres ocasiones, entre 1787 y 1791. Al igual que en Viena, su música era recibida con enorme admiración . Siempre se alojaba en Villa Bertramka, hoy transformada en el Museo Mozart, donde encontraba inspiración para arreglar e interpretar sus piezas musicales. Durante el veranto en los jardines se celebran maravillosos conciertos, a los cuales asistián invitados exclusivos.
Allí se exponen manuscritos del artista, informes de noticias de la época, grabados, cartas, fotos, bocetos musicales, instrumentos y otros objetos que permiten construir un relato de las actividades de Mozart en Bertramka y en Praga. También se exhiben documentos sobre la casa y otros que certifican el contacto con maestros checos que asiduamente eran invitados por la familia Duseks, dueña de la finca y amante de la música.
La habitación que Mozart y su mujer utilizaron en Bertramka todavía conserva la decoración original en paredes y techo, en su mayoría de madera barroca en motivos florales. Uno de los objetos más curiosos es un mechón de pelo del artista y dos instrumentos de tecla que ejecutó durante la estadía. En el jardín, hay ubicado un busto en su honor, realizado por un artista checo especialmente para la inaguración del museo.
Los turistas que recorran el museo cuentan con servicio de audioguía en checo, inglés, francés, alemán, y japones.

Daniel Hope: Romantic Violinist (Trailer English)

2011-11-02T12:56:00.000-07:00

Casa de la Música de Viena (Haus der Musik)

2011-10-31T11:20:00.000-07:00

En viena, la ciudad de la música, hay un lugar en el que incluso los oídos se sorprenden. Emprenda un viaje musical al museo del sonido único de Viena - ubicado dentro del palacio histórico del archiduque Carlos en el casco antiguo. Mire por encima del hombro de los grandes compositores de otros tiempos mientras están componiendo, encuéntrese con los mejores músicos del momento y mire al futuro musical de la música creada por ordenador. Cada día, hasta las 22 horas, le invitan en la seis plantas del museo a introducirse en el mundo de los fenómenos de los sonidos.

La música no sólo es para escucharla: En la casa de la música también puede ver, sentir y producir personalmente sonidos y tonos.

Durante su viaje musical se verá apoyado por instalaciones con la última tecnología. Vivencias inesperadas con sonidos, sensaciones a través de alta tecnología, espacios lúdicos únicos: en la Casa de la música descubrirá con todos sus sentidos un mundo de sonidos, ruidos y tonos. Hasta sus oídos se sorprenderán.

ZELAZOWA WOLA-Museo de Chopin

2011-10-19T06:38:00.000-07:00

Lugar de nacimiento de Federico Chopin. En la llamada mansión de Chopin, museo biográfico con retratos del compositor y de su familia, así como muebles de época. En verano, cada domingo se celebran conciertos de piano con música de Chopin, interpretados por famosos pianistas. La mansión está rodeada por un bello parque con unas 500 especies de árboles y arbustos. En el parque hay tres monumentos al compositor.

Schatz-Walzer with Vladimir Malakhov

2011-10-18T04:51:00.000-07:00

Vladimir Malakhov(nacido en 1968 en Krivói Rog, Ucrania), fue un bailarín principal del American Ballet Theatre. En 2004 se convirtió en el director artístico y primer solista del Staatsballett de Berlín (Berlín State Ballet), que se formó recientemente a partir de los ballets de los tres teatros de ópera del público.
Comenzó sus estudios de danza a la edad de cuatro en una pequeña escuela de ballet en la región y permaneció allí hasta continuar su formación en la escuela del Ballet Bolshoi de Moscú. Desde los diez años, él estaba bajo la tutela de Peter Pestov y después de graduarse en 1986 se unió al Ballet Clásico de Moscú como el más joven bailarín de la compañía.
En 1992, Malakhov se unió a la Viena Stat Opera Ballet como artista principal y el Ballet Nacional de Canadá en 1994. En la primavera de 1995 tuvo su debut con el American Ballet Theatre en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Desde entonces, se ha mantenido un primer bailarín con ABT, y ha continuado a baila papeles principales en Viena, así como el famoso Ballet de Stuttgart. Malakhov también apareció muchas veces como invitado en Berlín, donde se ha convertido recientemente director artístico. Su repertorio abarca una amplia gama de estilos, desde ballets clásicos a las obras de coreógrafos contemporáneos de hoy.
Aclamado por la crítica mundial por lirismo artístico, que ha ganado premios de gran prestigio en su campo de competencias en Varna, Moscú y París.

Casa Museo de Mozart, la cual se ubica en Salzburgo, Austria

2011-10-16T04:42:00.001-07:00

La Casa Natal de Mozart se encuentra ubicada sobre la calle Getreidegasse, identificada con el Nº 9 y su particular color amarillo con ventanales blancos. Durante veintiséis años, entre 1747 y 1773, la familia Mozart habitó la tercera planta de la "Casa Hagenauer", y es aquí donde el día 27 de enero de 1756 nació el famoso compositor Wolfgang Amadeus Mozart. El día 15 de junio de 1880 la Fundación Internacional Mozart inaguró el primer Museo en la Casa Natal de Mozart. Esta casa-museo está compuesta de tres plantas donde se conservan una gran cantidad de objetos de la época e instrumentos que pertencieron a Mozart. Es uno de los lugares más visitados en Salzburgo, Austria, y una especie de santuario para músicos y aficionados a la música. Durante una visitra en la Casa de Mozart, podremos ver las habitaciones originales en las cuales se exponen instrumentos históricos, valiosos documentos y objetos originales pertenecientes al compositor y la mayoría de los retratos que se realizaron de él en vida. Cabe destacar por ejemplo el óleo inacabado "Mozart en el piano" realizado por su cuñado Joseph Lange en 1789. También encontraremos el violín que Mozart tocó durante su infancia, un violín de conciertos, sus clavicordio, además de retratos, cartas pertencientes a la familia Mozart, muebles y objetos típicos de Salzburgo de la época del autor, entre otros.

1/6 New Year's Concert 2011 Vienna Polka Mazur with ballet (Aus der Fer...

2011-10-16T02:00:00.000-07:00

El concierto de Año Nuevo de la Filarmónica de Viena (en alemán: Das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker) es un concierto de música clásica que se celebra cada año en la mañana del 01 de enero en Viena, Austria. Se emite en todo el mundo para una audiencia estimada de 50 millones de dólares en 72 países.

Noticias veterano Paula Zahn serán cubiertas por el escenario y la leyenda del cine Julie Andrews como afitrión de la celebración de la fiesta de Año Nuevo con la Filarmónica de Viena, bajo la dirección de Franz Welser-Möst del Musikverein de Viena.

Alison Balsom: Haydn Trumpet Concerto, 3rd mvt

2011-10-14T04:58:00.000-07:00

Director Titular de la de Phil Vasily Petrenko dirige la Royal Liverpool Philarmonic Orchestra, con la actuación invitada muy especial de Alison Balsom, en una actuación enérgica y movimiento del Concierto para trompeta de Joseph Haydn, en Mi bemol mayor (Finale:allegro)

This recording was made during the sold out concert Sound the trumpet! on Thursday 17 september 2009. Esta grabación fue realizada durante el concierto con entradas agotadas sonido de la trompeta! el jueves 17 de septiembre de 2009

Musica Antiqua Roma, Riccardo Minasi: Giovanni Mossi, Sonata V, op. 1, A...

2011-10-11T05:09:00.000-07:00

Alexandre Tharaud plays Scarlatti

2011-09-05T10:44:00.000-07:00

José Carlos Martínez en el Aula - bailarín estrella de la Ópera de París, dirigirá la CND

2011-09-04T10:05:00.000-07:00

El bailarín y corógrafo sustituye a Nacho Duato, que ocupó el cargo 20 años. Martinez Premio Nacional tienen una trayectoria abrumadora para sus 41 años. El bailarín estrella de la Ópera y coreógrafo José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), será el nuevo director de la Compañía Nacional de Danza (CND), en sustitución de Nacho Duato, según ha anunciado este viernes en rueda de prensa la ministra de Cultura, Ángeles Gónzalez-Sinde.
El artista, ganador del último galardón "Benois de la dance", considerado el Óscar de la danza, se incorporará al CND el próximo verano, justo al cumplir 42 años y jubilarse , como mandan sus estatutos, como bailarín de la Ópera de París.
El coreógrafo y bailarín, que entró en el Ballet de la Ópera de París con 19 años, en 1988, fue ascendido a "primer bailarín" en 1992 y alcanzó el grado de "estrella" en 1997, deberá remodelar la CND, que dirigió durante 20 años y hasta el pasado verano Nacho Duato con programas exclusivamente contemporáneos, para incorporar a su repertorio piezas clásicas y neoclásicas.
Martinez lleva 26 de los 41 años que tiene fuera de su Cartagena natal, un tiempo en el que se ha convertido en bailarín estrella del Ballet de la Ópera de París, coreógrafo y maestro de lo mejor de los mejores del clásico , el neoclásico y el contemporaneo.
Ahora, cuando le queda poco menos de un año para jubilarse como "estrella de la Ópera de París"-así lo establecen sus estatutos- ha decidido volver a España.

El Lago de los Cisnes (Ballet de Moscú) Swan Lake

2011-09-02T09:15:00.000-07:00

2CELLOS (Sulic & Hauser) - LIVE 'With or Without You' by U2 (HD)

2011-08-20T11:34:00.000-07:00

2Cellos es un Cello dúo formado por Croacia violonchelistas Sulic Luka y Stjepan Hauser. Firmado para Sony Masterworks desde el 12 de abril de 2011, los dos fueron descubiertos después de subir un video musical de su cello solo cubre de Michael Jackson's "Smooth Criminal" .
Sulic, nacido en Maribor, Eslovenia, y Hauser , de Pula, Croacia, se reunió en una clase magistral en Croacia, mientras que aún en la adolescencia. Sulic-el más joven de los dos por un año y Hauser asistió a la Academia de Música de Zagreb juntos, y ambos viajaron a estudiara a Viena. Sulic más tarde entró en Londres's Royal Academy of Music, mientras que Hauser asistió a la Royal Northern College of Music en Manchester. El dúo saltó a la fama después de sus versión de "Smooth Criminal" se convirtió en un éxito en Youtube, que reciben más de tres millones de visitas en las dos primeras semanas y más de cinco millones de visitas en total. La creación del video musical fue motivada por las dificultades de los violonchelistas financieros, a pesar de su éxito musical en el Reino Unido. El dúo se reunió en mercado mediante la creación de un video de "Smooth Criminal". El video, publicado originalmente el 20 de enero de 2011, características Sulic y Hauser frente a frente a solas en una habitación blanca grande, jugando canción de Jackson. De hecho, antes de convertirse en socios, los dos violonchelistas fueron considerados a veces rivales, que compiten contra otros en concursos de música.

Hilary Hahn Plays Sarabande in D Minor by Bach

2011-08-06T11:08:00.000-07:00

Daniel Baremboim dirige a la Orquesta "West Eastern Divan" este domingo

2011-08-04T03:50:00.000-07:00

El director de orquesta israelí, Daniel Baremboin, dirigirá este domingo 31 de julio, a partir de la s 21,00 horas, a la orquesta West-Eastern Divan en el Teatro de la Maestranza de Sevilla, ciudad sede de la Fundación Pública Andaluza Barenboim-Said. En esta ocasión, el programa comenzará con la Sinfonía nº1 en do mayor (Op.21) de Ludwig Van Beethoven, el "Adagio de la sinfonía nº5 en do menor (Op.67) del genio de Bonn.

La Orquesta West-Eastern Divan, compuesta por un centenar de músicos árabes, israelíes y españoles, muchos de ellos andaluces, dirigidos por el maestro Daniel Barenboim, tiene en Andalucía la sede permanente de su taller estival, que se celebra en la localidad sevillana de Pilas, y que concluyó el pasado viernes. En este taller se prepara el repertorio de toda la gira -que este año incluye el ciclo completo de las Sinfonías de Beethoven- y los músicos se reúnene para compartir durante una semana muchas horas de trabajo y ensayos.

Tras los conciertos de este fin de semana en Andalucía, la Orquesta, compuesta este año por 105 músicos: 41 jóvenes de origen árabe, 37 israelíes y 22 españoles, de los que trece son andaluces, y cuatro de otras nacionalidades, deja la comunidad para ofrecer un concierto en la Plaza Mayor de Madrid este lunes 1 de agosto.

A continuación, comenzará un recorrido por escenarios de Asia y Europa que los llevará a las principales ciudades de China y Corea. El día interpretará la Sinfonía nº9 de Beethoven en la zona desmilitarizada entre las repúblicas de Corea del Sur y Corea del Norte, con varios solistas coreanos y el Coro Nacional de la república de Corea del Sur.

Tras su paso por Asia, la Orquesta vuelve a Europa para actuar en los festivales de Lucerna y Salzburgo. A continuación , ofrecerá un concierto para 20.000 personas en el Waldbuhne de Berlín, un auditorio al aire libre situado junto al Estadio Olímpico de la capital alemana. La gira terminará durante la última semana de agosto en Colonia, con varios conciertos en la Filarmoníca durante los que se grabará el ciclo concierto de sinfonía de Beethoven para su edición discográfica posterior.

Concierto doble de Brahms

2011-07-21T02:02:00.000-07:00

Violin de Cristal

2011-07-20T03:44:00.000-07:00

Y asi fue que en Beijing surgió el primer violín de vidrio, el 18 de Abril de 2006, se presento en sociedad. Fué hecho a mano y está valuado en 170.000 yuan (21.000 dólares) y dicen que tiene mejor timbre que un violin de madera. Le llevó a los japoneses 1 mes construirlo.

André Rieu premieres Anthony Hopkins waltz in Vienna - PREVIEW

2011-07-13T06:56:00.000-07:00

El pasado domingo, André Rieu recibió la gran condecoración de Oro por servicios a la Républica de Austria. La condecoración le fue entregada como reconocimiento a sus esfuerzos por promover la música vienesa en todo el mundo. Entre la audiencia se encontraba anthony Hopkins, quien viajó especialmente desde los Angeles para asistir al estreno mundial de "And The Waltz goes on" (y el vals sigue), que fuera compuesto por el propio Hopkins.
Viena, 6 de julio de 2011. Hopkins ha escrito música durante muchos años, pero la co-estrella de la película "Thor" compuso su última obra "And The Waltz Goes on", con la mente puesta especialmente en Rieu para interpretarla. Rieu se mostró tan entusiasmado con la labor, que inmediatamente se pueso en movimiento para grabarlo, logrando que la esposa de Hopkins se emocionara hasta las lágrimas durante la ejecución inicial de la melodía.
"Desde hace años soy un gran admirador de André Rieu. Es un excelente músico. Mi esposa y yo tuvimos el mismo sueño de conocerle personalmente algún día, por lo que le envié algunas composiciones de mi autoría. En lo que a mí respecta, el que André interpretara este tema con su orquesta, es un sueño hecho realidad. Estoy completamente conmovido con el resultado ¡Es mucho mejor de lo que esperaba" afirma Anthony Hopkins acerca de su cooperación con André Rieu.
El vals estará en el nuevo álbum de Rieu y será interpretado durante su gira durante el próximo otoño.

Downton Abbey - Main Theme Song - Piano Music

2011-07-10T05:13:00.000-07:00

Philippe Jaroussky chante Caldara

2011-07-08T12:13:00.000-07:00

Haus-Konzerte: Fauré Quartet

2011-07-08T05:00:00.000-07:00

Sobre el espectáculo "Haus-Konzerte: Fauré Quartet". El Fauré Quartet interpretará cuartetos para piano de Beethoven, Mendelssohn y Reger en el concierto de clausura de las series Haus-Konzerte en la Konzerthaus de Berlín.

El título Haus-Konzerte contiene un doble sentido. Implica interpretaciones de música cámara con conjuntos pequeños, y sugiere música en un ambiente cómodo e íntimo. Estas series presentan a una variedad de artistas y programas en la sala de conciertos pequeña en la Konzerthaus Berlín.

Disfrute de este programa de Cuartetos para piano, perfecto para el ambiente íntimo de la Kleiner Saal" de la Konzerthaus de Berlín.

A Far Cry - Schnittke: Concerto Grosso no.1 (1977), V. Rondo: Agitato

2011-07-05T09:39:00.000-07:00

Daniel Müller-Schott plays Bach at Stresa Festival 2008

2011-06-28T10:01:00.000-07:00

Daniel Müller-Schott (nacido en 1976 en Munich, Alemania) es un alemán violonchelista. Ha trabajado con renombrados directores como Vladimir Ashkenazy, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, Kurt Masur, Sakari Oramo y André Previn. Se grabó y lanzó los Tríos piano de Mozart en 2006 con Anne-Sophie Mutter y André Previn. Con Angela Hewitt, que ha grabado las obras completas de Beethoven para violonchelo y piano.

Sarah Chang - Bruch/Brahms: Violin Concertos

2011-06-16T10:11:00.000-07:00

Sara chang (Filadelfia, Estados Unidos, 10 de diciembre de 1980) es una violinista clásica estadounidense de ascendencia coreana.
Sarah realizó una audición en la Academia Juilliard de música cuando tenía 6 años, tocando el concierto para violín de Bruch. Fue admitida a la clase de Dorothy Delay, maestra de violín de algunos de los más grandes violinistas del mundo como Itzhak Perlman, Midori, Gil Shaham, Shlomo Mintz y muchos otros, incluyendo al padre de Chang.
Chang fue reconocida como niña prodigio desde que era muy pequeña, y cuando tenía 8 años tuvo la oportunidad de tocar para nombres tan importantes de la música como Zubin Mehta y Riccardo Muti, quienes trabajaban con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Orquesta de Filadelfia respectivamente. A los 9 era la violinista más joven en grabar un disco. Jascha Heifetz, otro famoso niño prodigio grabó cuando tenía 11 años. En una entrevista su maestra afirmó que ninguna persona había visto nunca "algo como ella".
Yehudi Menuhin la llamó "la más maravillosa, la más perfecta, la violinista más ideal que he escuchado".

Clara Haskil interprete del clasicismo y romanticismo

2011-06-15T10:06:00.000-07:00

Clara Haskil (Bucarest, 7 de enero de 1895-Bruselas, 7 de diciembre de 1960) fue una pianista suiza de origen rumano.

Reconocida como intérprete del repertorio del clasicismo y del romanticismo temprano, Haskil es especialmente conocida por sus actuaciones y grabaciones de Mozart. Muchos la consideraron la intérprete más importante de Mozart en su tiempo. También fue conocida como una magnífica intérprete de Beethoven, Schumann y Scarlatti. Además, Haskil colaboró con músicos famosos, como Georges Enescu, Eugéne Ysayë, Pau Casals, Joseph Szigeti, Géza Anda, Isaac Stern y Arthur Grumiaux, con quien realizó su último concierto. Tocó como solista bajo la batuta de directores muy importantes, como Stokowski, Karajan, Beecham, Solti, Barbirolli, Boult, Jochum, Sawallische, Kempe, Szell, Celibidache, Klemperer, Hans Rosbaud, Monteux, Cluytens, Paray, Markevitch, Giulini, Ansermet, Münch, Kubelik, Fricsay, Inghelbrecht, entre otros muchos.

Haskil nació en el seno de una familia judía sefardí en Bucarest (Rumania) y estudió en Viena con Richard Robert (entre cuyos alumnos se encuentran tambien Rudolf Serkin y George Szell) y con Ferruccio Busoni. Se trasladó a París a la edad de 10 años, donde empezó a estudiar con Joseph Morpain (alumno de Gabriel Fauré). A continuanción, entró en el Conservatorio de París, oficialmente para estudiar con Alfred Cortot, aunque la mayor parte de su instrucción la recibió de Lazare Lévy y Mme Letarse-Giraud. Se graduó a los 15 años con un Premier Prix en piano y en violín. Tras graduarse, Haskil inició una gira por Europa, aunque su carrera se truncó por una de las numerosas dolencias físicas que sufrío a lo largo de su vida. Las frecuentes enfermedade que padeció, junto con el intenso miedo escénico que experimento en 1920, hizo que su situación económica empeorase. La mayor parte de su vida se encontró a la pobreza extrema. No fue sino hasta después de la Segunda Guerra Mundial, durante una serie de conciertos en Holanda en 1949, cuando empezó a ganar la fama que se merecía.

Como pianista, sus interpretaciones se caracterizaron por una pureza de tono y fraseo que pueden proceder de su habilidad como violinista. Transparencia y delicada inspiración fueron otros rasgos distintivos de su estilo.

Haskil murió en 1960 a causa de las heridas recibidas a través de una caída en un estación de tren de Bruselas. Ella iba a tocar un concierto con Arthur Grumiaux al dia siguiente-.

Alexandre Tharaud plays Scarlatti

2011-06-15T09:23:00.000-07:00

Yo quería un Scarlatti rojo de la sangre, un español como Scarlatti. Así que he querido abrir con una sonata que tiene un ritmo típico español. Hay varios de estos en todo el programa. Se sabe que Scarlatti vivió la mayor parte de su vida en la corte de España. Estaba muy inspirado por la música tradicional española. Por el flamenco entre otros, el aspecto de Scarlatti rara vez se ha notado en el pasado. He intentado mostrar el resultado de varios aspectos de este compositor en este programa. Con las sonatas virtuosas que son por lo general se esperaba. Pero también con las sonatas más lento, más parecido a la ópera. Estoy pensando en la sonata K208. A lo que el piano moderno le da una nueva dimensión, una dimensión trágica, una dimensión dramática. Cuando escucho esta sonata, que evoca siempre para mí una cantante soprano, solo en el escenario.
Para mí, este disco Scarlatti tenía que ser. Este disco tiene una coherencia con los que yo había grabado en el pasado, de los compositores barrocos. Como Bach, Rameau, o últimamente el registro de Francois Couperin. Tiene muchos años que no quería absolutamente que se registre este compositor. Años que no practica sus obras, desde la infancia en realidad. Como pianista de muchos, él es un compositor que he estado familiarizado desde la primera infancia. He esperado hasta 2010 para esta grabación, y estoy muy feliz por eso.
La elección seguramente no fue fácil. Como Scarlatti escribió casi 600 sonatas. Pero yo diría que una especie de selección natural de opera, los dedos que nos lleva, en primer lugar, he leído todos ellos. Con gran placer, aunque la codicia. Desde una capa a otra que he reducido el número hasta 30 y finalmente, se registraron 18 de ellos. Era un sueño para mí para grabar en ese pasillo fabuloso en La Chaux de Fonds. Yo siempre había querido grabar allí. Cuando me uní a Virgin Classics. Inmediatamente me sugirió que la grabación de Scarlatti que hace allí, ese salón tiene una historia. Se escapa de todos los rincones, todas las paredes, fuera de la planta. Esa sala fue testigo de tantos conciertos por grandes pianistas del curso. Pero también muchas grabaciones en un momento en que Philips registró la mayor parte de sus registros de piano. Magalov Nikita, El trío Beaux Arts. Así que muchos músicos han grabado allí. Que me atrae, prefiero grabar en un lugar que tiene una historia. También pensé en un pianista llamada Clara Haskil, quien jugó mucho en esa sala. Que a menudo residen en la Chaux de Fonds, incluso una calle lleva su nombre. Esa ciudad la adoptó como había sido adoptado por Suiza. Creo que la Chaux de Fonds tiene una resonancia particular en su vida. Clara Haskil fue siempre en mi mente, para toda la semana que pasamos haciendo esta grabacion allí. Para mí ella es una de las más grandes intrepretes de Scarlatti. Al final de la grabación he decidido dedicarselo a ella.

Alexandre Tharaud

Beethoven's Tempest Sonata mvt. 3 -- Wilhelm Kempff

2011-06-15T04:48:00.000-07:00

Para los analistas de música y artistas por igual, la tempestad sonata de Beethoven (1802), representa una de las piezas más difíciles de los primeros románticos del piano y repertorio clásico. Este libro es una colección de once ensayos, que se ocupan de esta sonata, desde una perspectiva de análisis diferentes e investigar las posibles conexiones entre el análisis de la música y la práctica de los resultados.
Wilhelm Kempff (25 de noviembre de 1895-23 de mayo de 1991) fue un pianista y compositor alemán.
Kempf nació en Jüterbog, Alemania, y estudió en Berlín y Potsdam. Aunque viajó por gran parte del continente europeo y del resto del mundo, no hizo su primeara aparición en Londres hasta 1951, y no tocó en Nueva York hasat el año 1964. Hizo su última presentación en París el año 1981 y murió en Positano, Italia a la edad de 95 años. Considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX, Kempff es conocido hoy en día por sus grabaciones de Shumann, Brahms, Schubert, ,Mozart, Bach, Liszt, Chopin y, particularmente, de Ludwig van Beethoven. Grabó durante un periodo de sesenta años. Kempff fue además el primero en grabar todas las sonatas de Franz Schubert, mucho antes de que éstas se volvieran populares. Además grabó dos ciclos completos de las sonatas de Beethoven, una en mono y la otra en estéreo.
Kempff también tocó música de cámara junto a Yehudi Menuhin y Pierre Fournier, entre otros. Las grabaciones más famosas son las sontas completas de Beethoven para violín y piano con Menuhin.
En 1957 Kempff comenzó a dar interpretaciones anuales de Beethoven en su villa de Positano. Seis años después de sus muerte, su amigo y antiguo alumno John O'Conor se encargó de las presentaciones.
Una actividad menos conocida de Kempff era componer. Compuso para casi todo género. Su segunda sinfonía fue tocada por primera vez en 1929 en la Gewandhaus de Leipzig por Wilhelm Furtwängler. También preparó un número de transcripciones de Bach, incluyendo el Siciliano de la sonata de flauta en Mi, que fue grabada por la pianista Idil Biret.

El Ballet Clásico de Moscú aterriza en Madrid con El Cascanueces y La Cenicienta

2011-06-14T11:02:00.000-07:00

Si a Theodor Amadeus Hoffman le llegan a decir hace casi doscientos años que El Cascanueces y el Rey de los Ratones iba a ser mundialmente conocido a través del ballet, no se lo hubiese creído. Ahora es una de las representaciones junto con clásicos como La Bella Durmiente, La Traviata, Giselle o Coppelia, que son éxito asegurado para las grandes compañías de Ballet. Es el caso del Ballet Clásico de Moscú, que vuelve por Navidad para deleitar al público madrileño con El Cascanueces y La Cenicienta.

El Ballet tiene una historia relativamente reciente. Apareció en el Siglo XV con números de danza interpretados en los banquetes de las cortes italianas. Posteriormente el ballet cortesano italiano fue desarrollado en Francia, y en el siglo XVII con Luís XIV se crearía la Academia Real de la Danza, otorgándole por primera vez la importancia que merecía. Este fue el comienzo de su configuración como disciplina profesional, un arte restringido a las mujeres hasta 1681 con la obra El triunfo del amor. Después de su crecimiento imparable, llegó una época de poca producción, el siglo XIX. Sólo Rusia continuó con la tradición.

Fueron Tchaikovski y Marius Petipá los que, a finales del siglo XIX, transformaron el cuento de El Cascanueces en música y en danza respectivamente, haciendo de la literatura una proyección artística sin igual. Varias décadas despúes, allá por los 60 del siglo pasado, Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliov se harían cargo de la compañía hasta la actualidad, procurando ser ante todo fieles respetuosos a las obras originales como la de Hoffmann.

Pero no todo ha sido un camino de rosas. Ambos directores artísticos destacaron la "Fuga de artistas" tras la Perestroika en los años 80, y la eliminación del presupuesto para la creación de un Centro Internacional del Ballet.

Ballet Clásico de Moscú.“Giselle”

2011-06-13T10:31:00.000-07:00

El Ballet Clásico de Moscú ha creado su propio estilo que une la tradición clásica con elementos modernos. Tras obtener un reconocimiento internacional, ahora representa una de sus mejores obras en el Teatro de la Laboral "Giselle", bajo la dirección artística de Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliov.El ballet clásico de Moscú en una de las más importantes compañías a nivel internancional y una magnífica escuela para los grandes solistas de ballet.

Paso de danza Chassé

2011-06-12T09:57:00.000-07:00

Chassé es una palabra del idioma francés que significa cazado. En ballet es un salto con desplazamiento en el cual una pierna persigue a la otra, la caza. Este paso puede ejecutarse hacia adelante (chassé en avant), hacia atras (chassé en arrière), al lado (chassé en écarté) y girando (chassé en tournant). Los brazos y la cabeza deben moverse en armonía con la dirección en la que se haga el Chassé. Este paso también se utiliza para enlazar unos pasos de baile con otros. En el ballet casi toda la terminología está en francés. Actualmente no es exclusiva del ballet sino que también ha sido y está siendo utilizada por otras manifestaciones dancísticas como la Danza contemporánea.

Anna Pavlova en “La muerte del cisne”

2011-06-12T04:41:00.000-07:00

Fokine creó en 1905, con su bailarina favorita, Anna Pavolova, "La muerte del cisne", como un ejercicio de impovisación de apenas tres minutos de duración y que sería una de las señas de identidad de la gran bailarina.. Anna Pavlova inauguraba una época en la que la expresión artística iba a ser más importante que los grandes alardes técnicos. "La muerte del cisne" es el primer paso de Fokine hacia un nuevo lenguaje de la danza. En 1907 coreografía "Chopiniana", donde utiliza música del compositor polaco no compuesta para la danza. Su coreografía significaba un nuevo concepto del espacio, donde el cuerpo de baile no era un mero adorno y arropamiento de las figuras solistas, sino que era, en palabras del propio Fokine, una obra "para veinticuatro solistas". Fokine distribuye el espacio en círculos y pequeños grupos, no en líneas rectas y diagonales como había hecho siempre Petipa. Con esta obra se inauguraba una nueva época en la historia de la danza, pues por primera vez el cuerpo de ballet no era un elemento decorativo. Además de estas innovaciones, este ballet no era un elemento decorativo. Además de estas innovaciones, este ballet no contaba una historia, sino que creaba una atmósfera, creando así un nuevo género, el ballet atmosférico, decisivo para la danza moderna. Llevaba a Párís un año después, el publico parisino no supo valorarla, pero fue una noche fundamental para un cambio esencial en la historia de la danza. Sin embargo, el triunfo de los ballets rusos en París vendría a través de las "Danzas Polovtsianas" de "El pricipe Igor", algo que nunca había sido visto en los escenarios parisinos. Tras este éxito estaba un genio de la danza, que abriría una nueva época, Serge Diaghilev.

El ballet imperial ruso- Mariu Petisa

2011-06-12T03:38:00.000-07:00

San Petersburgo será el escenario del ballet imperial ruso y su figura fundamental, Marius Petipa, que lo dotará de sus características esenciales. Los bailarines eran educados en la escuela Maryinski con el rigor de la disciplina militar y vestian uniforme semejante al de los militares; esta disciplina dio lugar a toda una generación de artistas por completo dedicados a la danza. El ballet es considerado como un arte y esto tendrá un efecto decisivo en el desarrollo futuro de la danza. Las circunstancias previas a la llegada de Mariu Petipa a la capital rusa son propicias par ahacer que en unas décadas San Petersburgo sea la capital y el centro de la creación coreográfica en Europa. A ello contribuye el que todas las bailarinas románticas viajaran a rusia y consideraran su capital un centro imprescindible en su giras; de entre la sobras llevadas a Rusia tempranamente tenemos el ballet romántico "Giselle", interpretado en 1842 por Yelena Andreyanova. Al mismo tiempo llegan a la capital profesores franceses, italianos y daneses que formarán a los futuros bailarines rusos , que asimilarán las tres escuelas. Particularmente intersante es la presencia de profesores daneses, pues ya sabemos que esta escuela no prescinde del bailarín y le dedica una gran atención, lo que hace que ocurra lo mismo en el ballet ruso. También tienen una gran importancia los coréografos franceses, como Jules Perrot y Arthur Saint-Léon, de quienes aprendería el joven Petipa el arte de la coreografía. Marius Petipa era de origen marsellés, de una familia de bailarines, pero pronto decidió marchar a Rusia para iniciar su carrera, la cual comenzó como bailarín. Con la llegada de Perrot, aprendería el arte de contar una historia mediante la coreografía y con Saint-León a construir divertimentos, pasajes sin acción dramática donde la coreografía y la técnica son el único fin. Pronto se convierte en coreógrafo, siendo su primera creación "La fille du pharaon", ballet en cinco actos situado en Egipto. Lo primero que llama la atención como innvación es la duración del ballet; hasta eses momento un ballet no superaba apenas la hora de duración y se ofrecía dentro de un programa de ópera, pero los ballets de Petipa tienen tres actos, más una apoteosis una introducción, lo que significa que ya era autónomo de la ópera y se desarrollaba como capaz de contar una historia completa. Petipa inaugura también el tipo de ballet llamado de "gran espectáculo", lo que lo desmarca de la línea intimista romántica. Petipa aspiraba a ser maestro de ballet, o sea, director de la compañía, pero esto no fue así de momento, pese al éxito obtenido por su primer ballet. Pasó a trabajar como coreógrafo en el Bolshoi, que presentaba diferencias con la escuela Maryinski; los bailarines de Moscú eran más acrobáticos y dramáticos, mientras que los de San Petersburgo dominaban la técnica, lo que el coreógrafo aprovechó perfectamente. Introdujo en sus ballets la danza española, que había conocido y aprendido en su estancia en España; su admiración por el folclores español no se agotó nunca y la mayor parte de sus ballets cuentan con alguna danza española, y en el caso de "paquita", su primer ballet para moscu con todo un divertimento que recrea en forma estilizada la danza folclórica española. En 1869, coreografía "Don Quijote", basado en el espisodio cervantino. La otra gran obra que nos ha llegado es "La bayadera", inspirada en el ballet romántico de Perrot. En ella encontramos la estética orientalista tan del gusto de la época que permitía una escenografía deslumbrante. La pieza que ha dado fama perdurable a este ballet es la llamada "El reino de las sombras" la verdadera joya de la coreografía de Petipa. Con este ballet Petipa configura el ballet de gran espectáculo que se apartaba del romanticismo parisino o danés. Siguió creando ballet de los que apenas se han conservado pequeños fragmentos, pero su gran hallazgo fue la colaboración musical de Tchaikovsky, para entonces ya un músico de prestigio. Su colaboración efectiva se inaugura con el ballet "La bella durmiente", que se considera la obra maestra de Petipa y que abre la llamada trilogía de Tchaikovsky, que se completará en 1893 con Cascanueces" y en 1895 con "El lago de los cisnes". Con Tchaikovsky queda sentado el principio de que la música para ballet no es un género musical menor, sino un género completo a la altura de cualquier otro. Petipa y el compositor trabajaban en un acuerdo absoluto y en estrecha colaboración. No todos los compositores hubieran aceptado una injerencia tan grande en su trabajo como hizo Tchaikovsky, que atendía todos los requerimientos coreográfico de Petipa con entusiasmo y entrega lo que hacía que el coreógrafo se enfrentara al reto de crear una coreografía tan buena al menos como la propia música. "El lago de los cisnes" fue estrenado en 1877 por el ballet Bolshoi, pero su versión definitiva y su gran éxito no llegaría hasta 1895, y Tchaikovsky no vivió, por desgracia, para asistir a este gran éxito. "El lago de los cisnes" sigue siendo un ballet muy popular entre el público y los artistas; desarrolla una coreografía magistral y cuentan una historia de gran dramatismo con una música que es una obra maestra. Después de este gran éxito, Petipa crea el ballet "Raymonda", de ambiente húngaro, en el que introduce danzas folclóricas de este país en una coreografía magistral , sin dejar de lado su ya tan personal danza española, la cual introduce gracias al argumento medieval del ballet.

Hay que destacar en el ballet ruso creado por petipa la presencia bailarines masculinos, con papeles importantes en las obras, que en París habían sido prácticamente desterrados de escena con la llegada de maestros daneses, sobre todo Johanssen, y de bailarines italianos, como CEcchetti, se forma una primera genéración de bailarines de gran técnica, como los hermanos Legat y Mikhail Fokine, maestros a su vez de grandes bailarines y bailarinas como Anna Pavlova y Vatzlav Nijinsky.

Mozart 06 - New Year's Concert 2006 - Neujahrskonzert 2006 (1/3)

2011-06-11T00:23:00.000-07:00

Bolshoi Ballet - La Sylphide

2011-06-10T08:54:00.000-07:00

La historia del Ballet Bolshoi comienza en 1773, con las clases de danza que se impartían en un orfanato de Moscú. En 1776 comienza sus actuaciones. Esta compañía es la más importante de Russia. Alexander Gorsky fue uno de sus principales directores y se mantuvo en su puesto durante casi 50 años. Una de las compañías de Ballet más antigua de Rusia y sin dudas la más conocida internacionalmente, es el Ballet Bolshoi. Sus orígenes se remontan a 1773, en las clases de danza que se dictaban en un orfanato de Moscú. La compañía comenzó sus actuaciones en 1776. En 1825 se traladan al Teatro Bolshoi, mientras Adam Guszkovsky estaba en la dirección.
Entre 1861 y 1864, el coreógrafo italiano Carlo Blasis colaboró con I compañia en 1869 se representó "Don Quijote", con coreografía de Marius Petisa y en 1877 "El lago de los cisnes" del austriaco Julius Reisinger. Durante el siglo XIX, la compañía de San Petersburgo gozaba de mayor fama que la de Moscú.
Alexander Gorsky asumió la dirección en 1878, fue el responsable de desarrollar el estilo de este ballet. Conjuntamente con los bailarines Ekaterina Geltser y Vasili tikhomirov, dirigó la compañía durante la Revolución, y a lo largo de la década de 1920-1930. Otras figuras rutilantes de la época las bailarinas Marina Semenova y Olga lepeshinskaya.

El Ballet Bolshoi en el siglo XX:

En 1930, Igor Moiseyev experimentó con los ballets de danza folklórica. Pasada la segunda Guerra Mundial, el Bolshoi representó por primera vez a "Cenicienta" de Serguei Prokofiev, con la coreografía de Rostislav Zakharov, en 1945. Fueron transferidos para el evento, los bailarines Galina Ulánova y Leonid Lavrovsky, desde el Ballet del Teatro Kírov, con lo cual, el Bolshoi se convirtió en la compañía más importante de Unión Soviética.
En la década de 1950, los principales bailarines en :Maia Plisiétskaia, Raissa Struchkova, Nina Timofeyeva, Nicolai Fadeyechev y Andris Liepa.
En 1956, la compañía debutó en Londres y su fama se extendió rápidamente por todo el mundo. En 1964 es nombrado director Yuri Grigoróvitch. Bajo su dirección se produjeron ballets de larga duración, donde se destaca "Spartacus"(1968), con movimientos espectaculares, pas de deux complicados. Este ballet, junto con revisiones de los clásicos, conforman el repertorio de La compañía. A partir del año 2000, el Teatro pasó a dependencias del Ministerio de Cultura de Rusia, y Vladimir Vasiliev fue sustituido por el director de orquesta Guennadi Rozhdéstvenski, como director general artístico.

Sylphide

2011-06-09T03:33:00.000-07:00

La Sylphide es uno de los más antiguas del mundo romántico ballet . Había dos versiones del ballet, la versión coreografiada por el danés balletmaster August Bournonville (1805-1879) es la única versión conocida que ha sobrevivido. El 12 de marzo de 1832, la primera versión de La Sylphide se estrenó en el Le Peletier Salle de la Ópera de París con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean-Madeleine Schneitzhoeffer . Taglioni diseñó el trabajo como un escaparate para su hija Marie . El libreto de ballet fue escrito por el tenor Adolfo Nourrit , el primero Robert Meyerbeer 's Robert Le Diable , una ópera que se presentó la bailarina Marie Taglioni en su sección de danza El ballet de las monjas. Nourrit de escenario se basó libremente en un cuento de Charles Nodier , Trilby, Le lutin ou d'Argail , pero cambió el género de los protagonistas - un duende y un pescador s esposa de Nodier, un sprite y un agricultor en el ballet.
En 1836, La Sylphide fue coreografiada por el nuevo balletmaster danés August Bournonville, con música de Herman Severin Løvenskiold . Bournonville tenía la intención de presentar una reactivación de la versión original de Taglioni en Copenhague con el Ballet Real Danés , pero la Ópera de París exigió un precio demasiado alto para la puntuación de Schnietzhoeffer. Al final, Bournonville montó su propia producción basado en el libreto original. La versión Bournonville se ha bailado en su forma original por el Ballet Real Danés, desde su creación y sigue siendo una de las obras más célebres de Bournonville. intérpretes modernos de la versión Bournonville incluyen Eva Evdokimova y Lis Jeppesen , cuya actuación se graba en DVD.
En 1892, Marius Petipa montó una reactivación de la original de La Sylphide de Taglioni para el Ballet Imperial , con música adicional de Riccardo Drigo . Una variación Drigo compuesto para la bailarina Bárbara Nikitina en la versión de Petipa es hoy el solitario tradicional bailado por la bailarina principal de la famosa Paquita Grand Pas Classique, interpolados por Anna Pavlova en 1904. En 1972, un renacimiento de la versión de Taglioni fue organizada por Pierre Lacotte para el Ballet de la Ópera de París .Desde coreografía Taglioni se ha perdido irremediablemente, la coreografía Lacotte se basa en las impresiones, notas, dibujos y materiales de archivo de la época del estreno del ballet. Coreografía Lacotte es en el estilo de la época, pero completamente nueva y ha sido criticado por algunos como auténticos. Los intérpretes del papel de la versión Lacotte en la Ópera Nacional de París incluyen Ghislaine Thesmar (la esposa de Lacotte) y Aurelie Dupont . Ambos artistas han grabado sus trabajos en DVD y vídeo.
La Sylphide se confunde a menudo con Les Sylphides , otro ballet participación de la mítica sílfide , o el duende del bosque. Este último fue coreografiada por Michel Fokine para el Ballet Rusos como los resultados a corto. Aunque inspirado en La Sylphide, que estaba destinado a ser realizado como un ballet independiente con sus propios méritos.
John Barnett 's 1834 la ópera La Sílfide Montaña se basa en la historia de La Sylphide, ópera parcela esta a su vez fue satirizado por WS Gilbert en el 1882 Opera Saboya , Iolanthe

Acto 1

En el salón de una casa de campo escocés, James Rubén, un joven escocés , duerme en una silla junto a la chimenea. A sylph . Una sílfide , o hadas del bosque, mira con amor a él y danzas de su silla. . Ella lo besa y luego se desvanece cuando de repente se despierta. . James despierta su Gurn amigo de su sueño, y le pregunta acerca de la sílfide. Gurn niega haber visto una criatura y le recuerda a James que es poco tiempo para casarse. James desestima el incidente y las promesas a olvidar.
James novia-a-ser, Effie, llega con su madre y damas de honor . James James obedientemente sus besos, pero es sorprendido por una sombra en la esquina. Pensando que su sílfide ha regresado, se lanza otra vez, sólo para encontrar la bruja , el viejo Madge, de rodillas en la chimenea para calentarse. James está furioso con la decepción.
Effie y sus amigos ruego Antiguo Madge para contar su fortuna, y se ajusta a la bruja. Ella informa alegremente Effie que James ama a otra persona y ella se unirán con Gurn. Obliga a Madge del hogar y la echa de la casa. Effie se alegra de que James se enredo con una bruja por ella. Effie y sus damas de honor arriba prisa para preparar la boda, y James se queda solo en la habitación. Mientras mira por la ventana, la sílfide se materializa delante de él y le confiesa su amor. James se resiste al principio, pero, cautivado por su belleza etérea, capitula y la besa con ternura.Gurn, que espía el momento de las sombras, corretea a decirle a Effie lo que ha sucedido. Cuando los afligidos Effie y sus amigos entrar después de escuchar el informe Gurn, la sílfide desaparece.Los invitados asumen Gurn es simplemente celoso y se ríen de él. Everyone dances. Todo el mundo baila. La sílfide entra en medio del jolgorio y trata de distraer a James.
Como las formas de cortejo nupcial, James se aparta y mira en el anillo que es colocar en el dedo de Effie.La Sílfide arrebata el anillo, lo coloca en su propio dedo, y, sonriendo seductoramente, corre hacia el bosque. James se apresura en la búsqueda después de su ardiente. Los invitados están desconcertados con la salida repentina de James. Ella cae en los brazos de su madre llorando desconsoladamente.

Acto 2

En una niebla envuelta parte del bosque, Madonna y su compañero de brujas danza grotesca de un caldero. Los juerguistas añadir todo tipo de ingredientes sucios a la cerveza.Cuando el resplandor contenidos, Madonna llega en el caldero y saca un pañuelo diáfana, la magia de sus profundidades. El caldero se hunde, la dispersión de las brujas, se levanta la niebla, y un claro manifiesto es encantadora.. James entra con la sílfide que le muestra su reino con encanto, en el bosque. Ella lo lleva bayas y el agua para refrescarse, pero evita su abrazo. Para animarlo, que convoca a sus hermanas etérea que tímidamente entrar y realizar sus bailes aireado. El joven escocés está encantado y se une al divertimento ante todo huir para salvar otra parte del bosque.

Mientras tanto, los invitados han estado buscando en el bosque de James. Entran en el claro. Gurn encuentra el sombrero, pero Madonna lo convence de no decir nada. Effie entra, cansados de vagar por el bosque. Él hace y Effie acepta su propuesta.
Cuando todos se han ido, James entra en el claro. Madonna se encuentra con él y le tira el pañuelo mágico Ella le dice al joven agricultor de la bufanda se unirá la sílfide a él para que no pueda volar. Ella le da instrucciones para cerrar el pañuelo sobre los hombros de la sílfide y los brazos para el efecto completo. James es estática. Cuando el sílfide y ve el pañuelo, que permite a James para colocarlo alrededor de su figura temblorosa.
Como James abarca la sílfide apasionadamente, sus alas se caen, se estremece, y muere en los brazos de James.Tristemente, sus hermanas entrar y levantar el cuerpo sin vida.De repente, una procesión de boda alegre dirigido por Effie y Gurn cruza el claro del bosque. James se sorprendió.Madonna dirige su mirada hacia el cielo, que ve la sílfide llevada por sus hermanas. James se derrumba. Madge se regocija en su cuerpo sin vida. El mal ha triunfado.

La Sylphide - Video Blog 1 of 3: An Austin Premiere

2011-06-08T00:58:00.000-07:00

El concierto de la Orquesta Filarmónica de Viena en Madrid llegará a toda Europa a través de Televisión Española

2011-06-07T08:00:00.000-07:00

-La cadena pública produce para la UER la actuación desde el auditorio Nacional, con un gran despliegue técnico. -La prestigiosa orquesta rendirá homenaje a Gustav Mahler en el centenario de su muerte, con la Sinfonia número 9 -TVE emitirá en junio la actuación denro del espacio los conciertos de la 2. Llega una nueva cita imprescindible con la música clásica. La Filarmónica de Viena actúa el martes 24 de mayo en el Auditorio Nacional de música de Madrid, bajo la dirección de Daniele Gatti. TVE y las televisiones y radios europeas asociadas a la UER ofrecerán este concierto, que será producido por la cadena pública española, y en el que se rendirá homenaje al gran compositor Gustav mahler. Madrid acoge este martes el esperado concierto de la Orquesta Filármonica de Viena, una cita que llegará a toda Europa a través de TVE, que produce este evento con un gran despliegue de medios técnicos: una unidad móvil en alta definición, 11 cámaras para grabar todos los detalles y sonido en Alta Calidad. Con todo ello se producirá una señal que llegará después a todos los miembros de UER (Unión Europea de Radio Televisión). La UER facilita a sus televisiones miembros una serie de conciertos de esta filarmónica cada año. Incluyendo el popular Concierto de Año Nuevo.La Orquesta Filarmónica de Viena conmemora con esta actuación el centenario de la muerte del compositor Gustav Mahler, que fue además director titular de esta filarmónica. Interpretarán la última sinfonía escrita por el compositor, su Sinfonía número 9. El programa contará con una presentación a cargo del presidente de la Orquesta Filarmónica de Viena, Profesor Clemens Hellsberg, y estará dirigido por Daniel Gatti, que colabora habitualmente con esta orquesta y que es uno de los directores más prestigiosos por sus trabajos al frente de orquestas americanas y europeas. También Gatti destaca por su puesta en marcha de varias producciones operísticas. La 2 ofrecerá el concierto, dirigido y realizado por Arturo Morales, el sásbado 18 de junio dentro del espacio matinal "Los concierto de la 2".

concierto año nuevo 2011 filarmonica de viena 2

2011-06-07T07:56:00.000-07:00

Vals-Vienés

2011-06-07T07:09:00.000-07:00

El vals (galicismo de valse que a su vez procede del germanismo Walzer) es un elegante musical a ritmo, originario del Tirol (Austria) por ejemplo por el siglo XII. El vals conquistó su rango de nobleza durante los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte, danza de baile en tres tiempos practicaba durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII viene de "Walzen"(girar en alemán), cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet. Fréderic Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una cantidad de excelentes vals para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado Vals del minuto. Los Strauss también destacaron como grandes compositores de vals, especialmente Johann Strauss (hijo). Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de el cascanueces, el vals de la bella durmiente o el vals de el lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del emperador.

Beethoven Pastoral Sonata Op. 28

2011-06-07T04:59:00.000-07:00

La decimoquinta sonata para piano de Beethoven forma un contraste absoluto con la Claro de luna, pero como ella es conocida por un sobrenombre no ideado por el autor. Sonata Pastoral. Es una inspiración bella, fresca, idílica, injustamente renegada por su autor, en unión de todo lo que había creado hasta entonces.
Durante el verano de 1801, el compositor residió una temporada en Hetzendorf, en la casa de campo del Elector Maximiliano Francisco. Fue un momento de reposo espiritual en el nació, o al menos quedó planeada esta deliciosa opus 28.
El manuscrito original lleva la fecha del año referido, publicándose el 14 de agosto de 1802, con el título y dedicatoria siguiente: "Grande sonata pour le piano-forte, composée et dédiée a Monsieur Joseph Noble de Sonnefels, Conseiller auilique et Secretaire perpétuel de l'Academie des Beaux Arts, par Louis van Beethoven a Vienne au Bureau d'Arts et d'industrie".
El personaje a quién está dedicada la obra era un viejo literato y crítico, que a pesar de su edad atacaba en todo orden de cosas cuanto fuera rutina, rancia y defectos convencionales perpetuados por la tradición, defendiendo todo lo noble y lo bello. La simpatía que, sin duda, despertó en Beethoven, motivó la dedicatoria de su opus 28. La demoninación de Pastoral, debido a un editor hamburgués, ha sido aceptada casi siempre, aunque alguien la ha discutido. Si la tonalidad no es tan propia como al de fa mayor -elegida en la sexta sinfonía- para pintar el color pastoral, hay en el ambiente de la sonata y sobre todo, en la inspiración ingenua, fresca, sonriente del allegro y del rondó algo que evoca sensaciones bucólicas, como ligero presentimiento, muy anticipado de l amaravillosa Sinfonía Pastoral, al que, a diferencia de esta sonata, fue así titulada por Beethoven y aun casi sujeta a programa por el autor. Pero, desde ahora, el sentimiento de Naturaleza, la fiel y amada amiga del maestro, inspirará repetidas veces su genio. Si la Sexta Sinfonía parece festejar las nupcias del compositor con su única esposa, la Sonata Pastoral es una promesa de amor eterno. Cuatro tiempos, de contorno general mucho más clásico que el de las dos sonatas "casi fantasías", integran esta segunda sonata en re mayor, cuya base es simpe la tónica mayor-menor-mayor.

Mein Lebenslauf ist Lieb und Lust - Neujahrskonzert / New Year's Concert...

2011-06-06T08:05:00.000-07:00

Gustav Mahler-El niño prodigio

2011-06-06T05:22:00.000-07:00

Gustav Mahler, Bohemia, actualmente República Checa, 7 de julio de 1860-Viena, 18 de mayo de 1911) fue un compositor y director de orquesta bohemio-austriaco. Sus composiciones se encuentran entre las obras más importantes del Postromanticismo. En las primeras décadas del siglo XX, se recordaba a Gustav Mahler como uno de los más importantes directores de orquesta y de ópera de su momento. A mediados de ese siglo, una creciente valoración por la interpretación de sus obras y el estudio de su vida lo reconoció entre los compositores más destacados de la Historia de la música. En diciembre de 1860, Bernhard Mahler se trasladó con su mujer e hijo a la ciudad de Jihlava, donde construyó una exitosa destilería y una taberna. La familia creció rápidamente, pero de los doce hijos que nacieron sólo seis sobrevivieron su infancia, Jihlava era entonces una próspera ciudad comercial de 20.000 habitantes, en la que Gustav se intrudujo en la música. Uno de los acontecimientos que má determinaron su futuro fue el descubrimiento de un piano en la casa de sus abuelos en Bohemia cuando tenía cuatro años y comenzó a tocarlo inmediatamente. Desarrolló su habilidad en la interpretación del instrumento suficientemente como para ser considerado un Wunderkind (niño prodigio) local y dio su primer recital público en el teatro municipal cuando tenía diez años. Bernhard Mahler tenía gustos artísticos e incentivó el aún incipiente talento musical de su hijo. Permitió que el futuro compositor comenzara a recibir las primeras lecciones de piano y de teoría musical cuando contaba cinco años de edad. Su hijo no tardó en dar muestras de que estaba naturalmente dotado para este arte: un año después compuso un lied y una polka con una marcha fúnebre introductoria. Sus primeros profesores fueron Franz Viktorin, primer maestro de capilla del teatro de Jihlava; el violinista Johannes Brosch; el contrabajista Jakob Sladky y, finalmente, Heinrich Fischer, director de un coro masculino local. Aunque Gustav quería hacer música, sus informes escolares en el Gymnasium local lo retrataban como de mente distraída y poco fiable en el trabajo académico. En 1781, con la esperanza de mejorar los resultados del chico, su padre lo envió al New Town Gymnasium en Praga, pero Gustav no era feliz allí y pronto regresó a Jilhlava. En 1874 sufrió una amarga pérdida personal cuando su hermano menor Ernst falleció tras una larga enfermedad. Mahler trató de expresar sus sentimientos en la música; con la ayuda de un amigo, Josef Steiner, comenzó a trabajar en una ópera, Herzog Emst von Schwaben (Duque Ernst de Suabia) en homenaje a su difunto hermano. No se conserva ni la música ni el libreto de esta obra. Bernhard Mahler manifiestó su apoyo a las ambiciones de su hijo para tener una carrera musical y accedió a que el chico fuera enviado al Conservatorio de viena. El renombrado pianista Julius Epstenin escuchó al joven Mahler y lo aceptó para el curso de 1875-1876. Hizo buenos progresos en sus estudios de piano con Epstein y ganó premios al final de cada uno de sus dos primeros años allí. En Praga, la aparición del Renacimiento Nacional Checo aumentó la popularidad y la importancia del nuevo Teatro Nacional y dio lugar a un descenso en la fortuna del Neues Deutsches Theater. La tarea de Mahler fue para ayudar a detener este declive, ofreciendo producciones de alta calidad de óperas alemanas. Tuvo un éxito temprano en la presentación de obras de Mozart y Wagner compositores conlos que estaría asociado particularmente para el resto de su carrera. En Leipzig Mahler entabló amistad con Carl Von Weber nieto del compositor Carl Mari Von Weber, y acordaron preparar una representación de la ópera inacabada de su abuelo Die drei Pintos(Los tres pintos)...

Bach: Orchestral Suite No. 3, Mvmt. 2 - McCreesh, VFCO

2011-06-06T05:11:00.000-07:00

Las cuatro suites orquestales o Ouvertures 1066-1069 son un conjunto de composiciones de Johann Sebastian Bach, compuesta problamente entre 1725 y 1739 en Leipzig. La palabra obertura se refiere a un movimiento de apertura en la que la lentitud de puntos en cuenta el ritmo es seguido-una sección de una fuga, a la vez este nombre también fue utilizado para referirse a un conjunto privado de la danza-piezas de los franceses barrocos de estilo.
Suite nº3 en re mayor,Bwv 1068, el aire es una de las piezas más famosas de la música barroca. un arreglo de la pieza por violinista alemán agosto Wilhelmj (1845-1908) ha llegado a ser conocido como de aire en la cadena de G.

Piano-Suave

2011-06-04T11:15:00.000-07:00

El piano (palabra que en italiano significa "suave" y en este caso es apócope del término original, "pianoforte", que hacía referencia a sus matices suave y fuerte) es un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional, y según la clasificación de Hornbostel-Sachs es un cordófono simple. El músico que toca el piano recibe el nombre de pianista.Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro, produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos , pero los más comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias adecuadas. En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este instrumento surgieron alrededor del año 1732; entre ellas destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores que han realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos compositores han sido pianistas. Destacan figuras como Fréderic Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven. Fue el instrumento representativo del romantismo musical y ha tenido un papel relevante en la sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los siglos XVIII y XIX. Es un instrumento destacado en la música de Jazz.

Janine Jansen exclusief in De Klassieken

2011-06-04T09:34:00.000-07:00

Janine Jansen no es sólo una solista brillante, también es una músico muy apasionada que es adicta a la música de cámara. No por nada brilla entre Navidad y Año Nuevo en su propia Internacional de Música de Cámara del Festival. Uno de sus principales socios en estos es el pianista Itamar Golan. Una colaboración entre dos almas gemelas.

Piotr Ilich Chaikovski-El niño de porcelana

2011-06-04T07:38:00.000-07:00

Piotr Ilich Chaikovski nació en Votkinsk, un pequeño pueblo en Udmurtia, que anteriormente fue parte de la provincia de Vyatka del imperio ruso. Su padre, Iliá Petrovich Chaikovski, era hijo de Piotr Fiódorovich Chaika (conocido posteriormente como Piotr Fiódorovich Chaikovski), un ingeniero de minas del Estado de ascendencia ucraniana. Estudio en un seminario de Kiev, pero más tarde recibió enseñanzas de medicina en San Petersburgo. En 1843, los padres de Chaikovski contrataron los servicios de una institutriz francesa llamada Fanny Dürbach. Su pasión y afecto por el cargo contrarestaban la actitud de Alexandra, descrita por un biógrafo como una madre fría, infeliz y distante, no dada a mostrar afecto físico. Sin embargo, otros autores afirman que Alexandra adoraba a su hijo.

Chaikovski empezó las lecciones de piano a los cinco años. Fue un alumno precoz, en tres años fue capaz de leer música tan bien como su profesor. Sin embargo, la pasión de sus padres sobre su talento musical pronto se enfrió. En 1850, la familia decidió enviarlo a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo. Esta institución atendendía principalmente a la pequeña nobleza y prepararía a Chaikovski como funcionario. Dado que la edad mínima para acceder era de doce años, Chaikovski tuvo que pasar dos años en un internado de la escuela preparatoria de la Escuela Imperial de Jurisprudencia, a unos 1.300 km de su familia. Una vez que estos dos años pasaron , Chaikovski fue traslado a la Escuela Imperial de Jurisprudencia para empezar un curso de estudios que duraría siete años. Unos meses después de la muerte de su madre, realizó el primer intento serio de composición, un vals en su memoria. La música no era una prioridad alta en la Escuela, pero Chaikovski asistía regulamente al teatro y a la ópera con otros estudiantes. Rubistein estaba impresionado por el talento musical de Chaikovski, pero esto no evitó tanto los conflictos con él como Zaremba acerca de la Primera Sinfonía del joven compositor, escrita tras su graduación, cuando la envió para que le dieran una lectura concienzuda. La sinfonía recibió su primera interpretación completa en Moscú en febrero de 1868, donde fue bien recibida.

Franz Schubert - Piano Sonata No. 8 in F sharp minor - First Movement

2011-06-04T05:24:00.000-07:00

Sonata para piano Nº8 en Fa sostenido menor, D. 571, fue compuesta por Franz Shubert en 1817. La sonata fue publicado por primera vez mucho después de la muerte del compositor en 1888 por Breitkopf & Härtel.

Franz Schubert "El talento"

2011-06-03T08:03:00.000-07:00

Franz Peter Shubert (Viena, 31 de enero de 1797-ibídem, 19 de noviembre de 1828) fue un compositor austríaco, considerado uno de los continuadores del Romanticismo musical, iniciado por Ludwing van Beethoven. Fue un gran compositor de lieder (breves compositores para voz y piano, antecesor de la moderna canción), así como de música para piano, de cámara y orquestal. Shubert fue uno de los principales músicos austríacos que vivió a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical europea a fines del siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió apenas treinta y un años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical excelente, de gran belleza e inspiración. Su talento creció a la sombra de Beethoven, a quien admiraba; murió un año después que su ídolo. No fue reconocido en vida: después de su muerte, su arte comenzó a conquistar admiradores. Escribió más de seiscientos lieder, de los cuales gran parte, después de su fallecimiento, quedaron inéditos. Hijo de una familia humilde, fue el duodécimo de trece hermanos. Residían en el barrio de Liechtental. Su padre era un profesor de escasos ingresos económicos.Su profesor de música se percató pronto de su talento y llegó a decirle ; "No tengo nada más que enseñarle, el conocimiento lo ha recibido del buen Dios". A los once años entró como actor en la capilla imperial, y consiguió una beca que le sufragó los estudios en la escuela municipal de Stadkonvikt. Allí fue alumno de Antonio Salieri y, gracias a la orquesta de la escuela, para la que escribió sus primeras sinfonías, se familiarizó con la obra de Franz Joseph Haydn y de Beethoven.A los catorce años comenzó a crear sus primeros lieder, poemas musicalizados para voz y piano, y antes de los dieciocho ya había creado algunas obras maestras, como Gretchen am Spinnrade, el primero de los muchos lieder inspirados en poemas de Goethe. A los diecinueve años había escritor ya más de doscientos cincuenta lieder.Pese a sus talentos, su padre pretendía que heredara su profesión, lo que motivó el enfrentamiento entre ambos y el abandono de la casa paterna.Fuera del hogar y habiendo decidido ganarse la vida con la música, Shubert se refugio en la casa de Franz von shober. Así comenzó el peregrinaje. Nunca logró mantenerse sólo con sus compositores y necesitó de la generosidad de amigos, que le acogían en sus respectivas casas. Shubert tampoco mantuvo una relación duradera ni tuvo hijos, pero se adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindó muchas satisfacciones personales, además de constituir un público fiel y sensible a su arte. Shubert no consiguió estrenar ni publicar ninguna de sus obras operísticas u orquestales. A lo sumo se interpretaron algunas composiciones vocales o pianísticas en las célebres Shubertiadas. Habitualmente pasó estrechez económica. Se volvió inseparable de sus gafas, que conformaron parte indisoluble de su apariencia y acenturaron su fisonomía tímida. En Viena Shubert llevó una vida bohemia rodeado de intelectuales, amante de las tabernas y de los ambientes populares, alejado de los salones y de la etiqueta nobiliaria. De este entorno procede el famoso término de Schubertiadas: reuniones de artistas de todos los ámbitos que formaban un círculo brillante y animado dedicado a la música y a la lectura. La obra completa de Shubert se publicó entre 1884 y 1897 en la editorial Breitkopf & Härtel. Fue especialmente relevante, dentro de esta, la edición de las canciones, encomendada al musicólogo y compositor Eusebius Mandyczewski, quien realizó un trabajo tan meticuloso que todavía hoy es de referencia.

Rafal Blechacz - Chopin Prelude24

2011-05-31T08:01:00.000-07:00

Frédéric Chopin escribió una serie de preludios para piano solo, lo más famoso posible sus 24 preludios, op. 28.24 Preludios de Chopin, op.28, son un conjunto de piezas breves para piano, uno en cada una de las veinte y cuatro teclas, publicado originalmente en 1839 y dedicada a José Christoph Kessler, un compositor de estudios de piano en el momento de Chopin. Diez años antes, Kessler había dedicado su propio conjunto de 24 Preludios, op.31, to Chopin. 31, de Chopin. Aunque el preludio término se utiliza generalmente para describir una pieza de introducción, el stand de Chopin-unidades de contenido, cada transmitir una idea o una emoción específica..

Copying Bethoven- "La Bestia"

2011-05-31T06:59:00.000-07:00

Encarnan "la vitalidad y brutalidad" del genio en la película "Copying Beethoven de la directora polaca Agnieszka Holland. Coprotagoniza este "retrato bastante fiel" del Maestro, que se centra en los últimos días de la vida de Beethoven, cuando la sordera, la soledad, y los traumas familiares le inspiraron para componer la Novena Sinfonía. La directora dirige una historia con el componente ficticio de Anna Holt, una joven aspirante a compositora que entra a trabajar en casa de Bethoven como su copista; y una parte, real, la inspirada en la vida del Maestro, que pondrá a prueba a su copista. No en balde sus conocidos le apodaron "la bestia", hasta al final sacar a la luz su lado mas humano y pasional.

El personaje de anna, "una ventana para dar a conocer el final de los días de Beethoven" está basado en varios personajes reales: uno de ellos una compositora parisina de 23 años, muy influenciada por la obra del músico sordo; y otra que, tras el estreno de su Novena Sinfonia fue quien le volvió cara al público para ver el exito y los aplausos.

Precisamente la directora quiso dar la máxima importancia a la secuencia en la que Bethoven dirige a la orquesta en la presentación al público de su Novena Sinfonía, ayudado por la joven Anna para que éste no pierda el compás. Una secuencia de 14 minutos en medio de la película, con "final feliz", que le dio a su directora "la clave" para contar esta historia.

"La Novena Sinfonía es archiconocida y me planteé cómo plasmarla cinematográficamente para que pareciera que el público la escuchara por primera vez", explico Holland.

Frédéric Chopin - Prelude in E-Minor (op.28 no. 4)

2011-05-29T07:36:00.000-07:00

Fréderic Chopin escribió una serie de preludios para piano solo, lo más famoso posible sus 24 Preludios, op.28. son un conjunto de piezas breves par piano, uno en cada una de las veinte y cuatro teclas, publicado originalmente en 1839 y dedicada a José Christoph Kessler, un compositor de estudios de piano en el momento de Chopin. Diez años antes, Kessler había dedicado su propio conjunto de 24 Preludios, op 31 de Chopin. Aunque el Preludio término se utiliza generalmente para describir una pieza de introducción el stand de Chopin-unidades de contenido, cada transmitir una idea o una emoción específica.
El Op.28 preludios fueron comisionados por el piano-creador y edior de Camille Pleyel de 2.000 francos. Chopin escribió entre 1835 y1839, en parte, en Valldemossa, Mallorca, donde pasó el invierno de 1838-1839 y en la que había huido con George Arena y sus hijos para escapar del clima húmedo de París.

Polonia celebra el bicentenario de Chopin

2011-05-29T07:12:00.000-07:00

El año 2010 será para Polonia el Año Internacional de Chopin, ya que se conmemora el 200 aniversario del genial músico polaco. Estos días ,en toda Polonia, y especialmente en la capital Varsovia, se vive con intensidad el bicentenario de uno de sus más ilustres ciudadanos. Fryderik Chopin, nació en 1810 y pasó tan solo 20 años de su vida en suelo polaco. Sin embargo, el paisaje y el floklore de la tierra inspiraron a Chopin e influyeron en su universal obra.

Es para Polonia el momento de engalanarse y recordar con honores al músico polaco más importante de la historia. Para ello, el país celebrará un sinfin de actividades durante todo el año, desde exposiciones, recitales y conciertos especiales o la apertura de un nuevo museo. El museo Chopin del Palacio Ostrosgoskich abrió sus puertas el pasado lunes en Varsovia, para ofrecer un recorrido interactivo y multimedia por la vida y obra de Chopin.

En este museo biográfico sobre Chopin, situado en pleno centro de Varsovia, se Exhiben numerosos objetos que pertenieron al compositor , desde las cartas sentimentales, partituras, bocetos , e incluso un mechó de su propio cabello. Unas de las mayores atracciones de este museo es la exposición de el último piano utilizado por el compositor antes de morir.Los que visiten Polonia podrán además asistir a las representaciones de Chopin en el palacio del Domi Poloni, con concertistas y estudiantes interpretando obras del polaco las 24 horas del día. Y un paseo musical: la ruta de los bancos musicales. De la Krakowskie Przedmiescie al parque Lauszienkowski pasando por doce bancos con fragmentos chopianos.

El Enigma De Ana de Maria Teresa Alvarez

2011-05-29T06:53:00.000-07:00

Un amor más allá de la muerte y un mensaje en una antigua partidura cambiarán definitivamente su vida. Ana Sandoval es una joven de 22 años perteneciente a la sociedad madrileña. Es una mujer inquieta, que sueña con hacer su pasión por el violín una verdadera profesión. Su monótona vida, ha estado marcada por los planes de su madre que desea que su hija se case con un joven abogado con un prometedor futuro. Sin embargo, todo cambia en la Nochevieja de 1894 cuando Ana se dispone a interpretar a Medelssohn y de su violin empiezan a surgir otras maravillosas notas pertenecientes al Capricho 24 de Paganini. A partir de ese momento sucederán hechos extraordinarios como el hallazgo de un misterioso texto entre las notas de una antigua partitura que la llevarán a descubrir emociones y sentimientos desconocidos. El enigma de Ana es una novela histórica, femenina, y tiene todos los ingredientes del género: historia, amor, cultura, arte, misterio y en la que la protagonista es una mujer con una gran personalidad, culta y de clase alta. La novela está ambientada en los finales del siglo XIX, tras el asesinato nunca resuelto de Prim y sobre el que la autora aporta datos hitóricos desconocidos.